Amigo visitante gracias por venir:
Te muestro mis pinturas, bocetos y dibujos.Expongo mi obra al aire libre los domingos por la mañana de 10 a 14h. en la Plaza del Conde de Barajas en el Madrid de los Austrias, junto a 35 compañeros pintores. Este evento viene celebrándose hace mas de 30 años y está reconocido de interés cultural por el Ayuntamiento de Madrid.
Todos estos bocetos y otros muchos que hago, me resultan de gran utilidad a lo largo de mi trayectoria para realizar mis pinturas. Podéis encontrarme cada domingo por la mañana en el viejo Madrid de Los Austrias. Plaza Conde de Barajas.
Este óleo lo hice ya hace tantos años que ni recuerdo la fecha. Aún lo conservo porque cuando lo miro me veo a mi misma adolescente frente a él con mis pinceles.
Como veréis solo figura la mitad de mi firma actual; como dije era muy joven y como todos los jóvenes tenía muchos sueños. De alguna manera mi cabeza albergaba la idea, de que era preferible no mostrar que el autor era una mujer. Esta idea que hoy puede parecer absurda, enmarca la atmósfera que se respiraba entonces. No tenía conocimiento de ninguna mujer que pintase, a excepción de mi madre que también pasaba algunos ratos de su tiempo con esta afición. No era el hecho de pintar o no, simplemente con mis pocos años, captaba la gran diferencia y condicionamiento que suponía en aquel tiempo, entre nacer hombre o mujer a la hora de poder conseguir un hipotético éxito en algo. Seguro que la gente de mi generación sabre de lo que hablo.
Afortunadamente las circunstancias han cambiado sustancialmente para nosotras, aunque no para todas.
Recientemente he ledo un libro de WASSYLA TAMZALI que recomiendo a todos mis amigos y seguidores:
CARTA DE UNA MUJER INDIGNADA
DESDE EL MAGREB A EUROPA
(Ediciones Cátedra)
En cuanto al título del cuadro cuando se lo puse , nada tenía que ver con la figura imaginaria que utilizaban los mayores para asustar a los niños, pero como acostumbro a poner algún comentario que encuentro relacionado con el titulo correspondiente a la entrada en cuestión y por si alguien ha tenido la suerte de no haber sido amenazado con su aparición y no lo conoce, dejo la definición de este personaje.
El hombre del saco, viejo del saco, viejo del costal, el hombre de la bolsa o el viejo de la bolsa es un personaje del folclore infantil hispánico. Se le suele representar como un hombre que vaga por las calles cuando ya ha anochecido en busca de niños extraviados para llevárselos metidos en un gran saco a un lugar desconocido. Este personaje es caracterizado como un asustador de niños, y se utiliza como argumento para asustarlos y obligárles a que regresen a casa a una hora temprana. Es similar al coco y al sacamantecas.
BOCETO El Circo Price es un circo-teatro fundado y dirigido inicialmente por Thomas Price en 1868, cuya ubicación fue el paseo de Recoletos de Madrid (España). Existió hasta el año 1970 y en marzo de 2007 fue reabierto como circo estable en Madrid.
Thomas Price pertenecía a una familia inglesa con gran tradición circense, no solo en España, sino también en Escandinavia y el resto de Europa. En un principio, el circo Price estuvo instalado en el madrileño paseo de Recoletos pero posteriormente Price decidió construir un nuevo circo situado en la Plaza del Rey, en un antiguo solar perteneciente al entonces desaparecido "Teatro del Circo". Price fallece en 1878 debido a un accidente fortuito por lo que su administrador y yerno, William Parish, tomó la dirección del proyecto. El 5 de diciembre de 1880 se inauguró y recibió el nombre de "Circo Teatro de Price".
Los años comprendidos entre Primera y Segunda Guerra Mundial fueron la época de mayor esplendor del circo Price. Luego gozó de una segunda etapa de gloria en la década de 1960. Posteriormente, el circo Price inició una etapa de declive, al igual que ocurrió con todo el movimiento circense, que terminaría con su clausura en 1970 y el posterior derribo del edificio.
Sus principales contribuciones al mundo del espectáculo fueron las actuaciones de su estrella, la trapecista Pinito del Oro, o sus intervenciones en los rodajes de películas como El fabuloso mundo del circo dirigida por Henry Hathaway y rodada en 1964. En este momento el circo estaba dirigido por el ilusionista D. Pablo Vega de la Iglesia, más conocido como "Marcel" que estaba casado con la trapecista "Alda"
En 2007, el Ayuntamiento de Madrid reabrió el Teatro Circo Price, como circo estable de la ciudad, bajo el gerenciamiento de Tato Cabal y la coordinación artística de Joan Montanyés en un nuevo edificio ubicado en la Ronda de Atocha. La inauguración se realizó con el espectáculo Charivari, puesto en escena por Joseph Bouglione, director del Cirque d'hiver de París (Francia). En dicho espectáculo actuaron Manuel Álvarez (premio Nacional de Circo en 2004), Suso Clown (premio Nacional de Circo en 2003) y la compañía brasileña Neves (premio especial del Jurado del Festival de Massi en 2006), que se presentaba en España por primera vez.
El nuevo edificio se sitúa en la Ronda de Atocha, en la extensión del denominado eje cultural Prado-Recoletos, en el centro de Madrid. La construcción de este nuevo edificio se inició en 2002 siguiendo el proyecto del arquitecto Mariano Bayón, en el lugar en el que se encontraba la antigua fábrica de Galletas Pacisa y tiene una superficie de 17.300 m2.
El conjunto está formado por varias piezas poliédricas, como prismas de base rectangular, circular y trapezoidal; encajadas en secuencia que conforman seis edificios, rodeados de espacios al aire libre, con entradas por la Ronda de Atocha y la calle Juan Sebastián Elcano.
En el centro del complejo está ubicada una sala de circo circular adaptable para teatro, con una pista cuyo diámetro puede pasar de los 13 a los 21 metros, con un escenario de estilo italiano, plataformas elevables para foso, escena y orquesta. El edificio combina elementos originales del pasado industrial del edificio de estilo neomudéjar con estructuras modernas, como la cubierta de tambor que es un muro circular de cristal. Esta gran sala actúa como eje de las diferentes estancias del complejo.
Las instalaciones tienen capacidad para 2.000 espectadores y la posibilidad de acoger diferentes actividades, como talleres y exposiciones que plasmen la diversidad en la evolución del arte. El proyecto incluye también un Museo de Autómatas y un Museo de Marionetas.
Aquí os dejo un poco de historia, mejor o peor... forma parte de mi. Esta foto es un entrañable recuerdo, premiaban por primera vez mi trabajo, fué muy emotivo para mi, claro era en mi pueblo jeje.todos tenemos algo parecido
Las siguientes son fotos de exposiciones de cuando tenía ganas de dejarme el lomo en estos eventos, ahora paso de estas cosas, ni los tiempos ni yo estamos para estos menesteres, por lo menos de momento.
......y el currículum también viejo, reconozco que ya no me he molestado en actualizar nada, ahora como sabéis estoy en mi placita del Conde de Barajas en Madrid , es bastante mas animado y devertido, aunque también cuesta sacrificio no creáis.
:. PREMIOS
2 º Premio del Primer Concurso de Pintura del Ayuntamiento de Arganda del Rey 1971
Premio VII Certamen Nacional de Acuarela "El Tormo" Cuenca 1996
Premio Caja Castilla La Mancha IX Certamen Nacional de Acuarela 1998.
1 º Premio de Acuarela Fedipica Palacio Real de Madrid, Otoño de 2002.
2 º Premio Acuarela "Almazán-Pinta" 2003, Almazán (Soria)
2 º Premio de Dibujo Fedipica, Palacio Real de Madrid, Mayo 2004
3 º Premio de Pintura de la Fundación Villa de Pedraza (Segovia) Junio 2004
1 º Premio de Dibujo Almazanpinta, Almazán (Soria) Mayo 2005
CRÍTICA
- He seguido de Flor en cada una de sus exposiciones y cada vez Descubro algo nuevo que me atrae hacia su pintura.
-. Sus colores limpios, sus amplios paisajes Y POR SUPUESTO su luz. Esta, va Creando un amplio abanico de sensaciones que nos transporta desde una mañana soleada Hacia un atardecer brumoso.
- Sus pinturas llenas de historias, de sensaciones, de sentimientos Experimentados imágenes Contemplar al que éstas, no dejan frío al espectador, sino que dejándose llevar Encuentran un mundo agradable, bello, ensoñado, pero no por esto menos realista. .. Quien Recorra esta exposición, vera que la pintura de Flor Estébanez es como una Bocanada de aire fresco que nos regala, muy agradable de sentir y respirar.
Margarita de Andrés. H ª del Arte
EXPOSICIONES
Individual: Kalima 1995, Rivas (Madrid)
Colectiva: IICertamen Todos A.E.D.A. 1996 (Madrid)
Individual: Pontón 1996.Collado Villalba (Madrid)
Colectiva: VII Certamen Nacional El Tormo 1996 (Cuenca)
Individual: Víctor Jara 1996 Arganda (Madrid)
Individual: CajaCastilla La Mancha 1996 Caudete (Albacete)
Colectiva: Salón de Invierno de Acuarela 1996 (Madrid)
Colectiva: XXIV Certamen Caja Madrid 1997 (Madrid)
Colectiva: V Certamen La Acuarela y Aranjuez 1997 (Madrid)
Individual: Pedraza 1997 (Segovia)
Individual: Los Tamarises 1998 Guetxo (Vizcaya)
Colectiva: VI Certamen La Acuarela Aranjuez 1998 (Madrid)
Colectiva: IX Certamen Nacional El Tormo 1998 (Cuenca)
Individual: Aena 1999 Barajas (Madrid)
Individual: Mezquita 1999 (Madrid)
Colectiva: Arte Nono 1999 Becerril (Madrid)
Colec: VII Certamen de La Acuarela y Aranjuez 1999 (Madrid)
Colectiva: X Certamen El Tormo 1999 (Cuenca)
Colectiva: Almazanpinta, Mayo de 2003, Almazán (Soria)
Colectiva: Palacio Real de Madrid, Mayo de 2003 (Madrid)
Colectiva: Galería Pinacotecarte, Julio de 2003 (Toledo)
Individual: Pedraza, Sala Municipal, Mayo de 2004 (Segovia)
Individual: Sepúlveda, Sala Castillo, Abril 2005 (Segovia)
Colectiva: Almazanpinta, Mayo 2005, Almazán (Soria)
Colectiva: Habitalia, Octubre 2005 (Madrid)
Individual: Amsterdam, Noviembre 2005, Alcalá de Henares (Madrid)
Colectiva: Feria de dibujo y pintura de Gerona. 2005. (Gerona)
Colectiva: Feria de dibujo y pintura de Figueras 2006. (Figueras)
...... Otras ferias de arte y exposiciones algunas mas, pero donde podrás encontrarme todos los domingos por la mañana en: Plaza Conde de Barajas de Madrid, un sitio estupendo donde comparto con mis compañeros pintores este lugar, que te invito a visitar.
Aquí dejo un boceto donde pretendo hacer trazo continuado, sin interrupción. No siempre tengo el día apropiado para conseguirlo, la mente preparada, sin titubeos ni vacilaciones.
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DANZA CONTEMPORÁNEA, Nacho Duato
Nacho Duato nace en Valencia, 8 de enero de 1957. Bailarín de ballet y coreógrafo español. Fue director artístico de la Compañía Nacional de Danza desde 1990 hasta julio de 2010, puesto al que llegó tras una larga y premiada carrera en las mejores compañías.
Se formó como bailarín en la Rambert School de Londres,1 y, tras ello, amplió sus estudios en la Mudra School de Maurice Béjart en Bruselas y en la American Dance Centre de Alvin Ailey en Nueva York, todas ellas instituciones de primera línea mundial en su campo.
Su carrera profesional como bailarín comenzó en 1980, en el prestigioso Cullberg Ballet de Estocolmo,2 pero fue un año después, cuando ingresó en el Nederlands Dans Theater,3 de la mano de su director Jirí Kylián, cuando de verdad Duato adquirió auténtica relevancia en el mundo del ballet. Allí compuso su primera coreografía Jardí tancat (Jardín cerrado) (1983, con música de Maria del Mar Bonet), con la que ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional de Colonia (Internationaler Choreographischer Wettbewerb, Köln). En 1988 fue nombrado coreógrafo estable del NDT, junto a Hans van Manen y al propio Kylián.
Sus ballets y coreografías forman parte del repertorio de las más prestigiosas compañías internacionales, como las ya mencionadas Cullberg Ballet y Nederlands Dans Theater, pero también del American Ballet Theatre, el Ballet de la Ópera de París, el Ballet de la Ópera de Berlín, la Compañía de Ballet Australiano, Les Grands Ballets Canadiens, el Stuttgart Ballet, el Ballet Gulbenkian de Lisboa, el Ballet de la Ópera de Finlandia, el Ballet de San Francisco o el mismo Royal Ballet.
Desde junio de 1990, invitado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Educación y Cultura, Duato pasó a ser director artístico del Ballet del Teatro Lírico Nacional de España en Madrid, que desde 1993 se conoce como Compañía Nacional de Danza, puesto que ocupó hasta el 31 de julio de 2010. Su labor como director se extendió posteriormente hasta la formación de la Compañía Nacional de Danza 2, que nació como cantera de jóvenes bailarines que van cambiando cada dos años. También en 2010, Duato firmó contrato para dirigir el ballet del Teatro Mijáilovski de San Petersburgo.
¡¡QUE TRISTE!! ¿Seguiremos dejando que se marche toda la gente valiosa de nuestro pais?
Artículo de JULIO BRAVO | MADRID diario ABC
Nacho Duato dejará de ser director de la Compañía Nacional de Danza el próximo 31 de julio, fecha en que concluye su contrato. El coreógrafo valenciano explicó esta mañana a sus bailarines su intención de no aceptar la prórroga de un año que le había ofrecido el Ministerio de Cultura.
Duato, sin embargo, no ha comunicado su decisión de manera oficial al INAEM, cuyo director general, Félix Palomero, conoció la noticia a través de la gerente de la Compañía, Carmen Boffarull, que le comentó, según fuentes del INAEM, las palabras de Duato.
Ayer, Palomero se reunió con los bailarines de la Compañía Nacional de Danza, a quienes relató el proceso de relevo que tiene previsto el Ministerio de Cultura en el conjunto, que se inscribe dentro del proyecto general de futuro y cambio de estatutos de las unidades de producción del Inaem.
La Compañía Nacional de Danza viaja mañana a Estados Unidos, donde estará de gira hasta el 15 de mayo. Volverá el conjunto después a la Zarzuela para celebrar los veinte años de Duato al frente de la CND y el coreógrafo valenciano cerrará esta etapa en el Bolshoi de Moscú.
En Cultura no hay reacción al no existir comunicación oficial de esta decisión, que obliga a replantear los plazos del relevo de Duato. No parece probable que se acelere el proceso, que implica, como ya avanzó ABC, una nueva orientación en el repertorio de la compañía, y sí podría abrirse un período de provisionalidad hasta que se tome una decisión firme sobre el futuro del conjunto.
En cuanto a Duato, los rumores que hace unos meses le situaban en Valencia se han diluido en los últimos tiempos, y todo parece indicar que de momento seguirá como coreógrafo invitado en distintas compañías.
Homenaje a Manuela Vargas:
Era una bailaora de gran personalidad que transmitía en su baile con estilo propio, como la gente grande. En el vídeo que dejo abajo de este post, podéis verla bailar por peteneras de una forma que emociona y acongoja. Afortunadamente tenemos esta nueva tecnología que nos permite a todos los mortales admirar a grandes genios como Manuela. Es una gran suerte. No os perdáis el vídeo que no tiene muy buena definición por ser muy antiguo, pero merece la pena.
La Petenera es un cante con copla de cuatro versos octosílabos que al ser cantada se convierten generalmente en seis, por repetición de uno de ellos y el añadido de otro ajeno a la copla. Cante difícil, de entonación pausada, solemne, emotiva y a veces sentenciosa, revestido siempre de leyenda y al que se le atribuido que para los gitanos ha tenido siempre "mal fario". Por ello los cantaores calés han evitado cantarla e incluso oírla.
¿Cuál fue el origen de la petenera?. Si ya el mundo del flamenco está compuesto por un entramado de mitos y leyendas en el caso de este cante el misterio envuelve su raíz y parte de su desarrollo. Sebastián Estébanez Calderón en su "Fiesta en Triana" cita ciertas coplillas a quienes los aficionados llaman "perteneras" y dice que "son como seguidillas que van por el aire más vivo, pero la voz penetrante de la cantaora dábanles una melancolía inexplicable".
Es sabido que en Sevilla estaba de moda el cante por peteneras en el año l879 y, con posterioridad, las coplas populares por este estilo fueron muy conocidas en 1881, ya que en este año hubo una gran escasez de víveres y este hecho tuvo popular reflejo en los cantes por este estilo hasta tal punto que se bautizó dicha fecha como "el año de las peteneras", que tuvo su reflejo en la siguiente copla:
Del año de las peteneras nos tenemos que acordar que anduvo la Pura y Limpia en el canasto del pan.
Hipólito Rossy, después de dejar sentado que "de la petenera se ha hecho más literatura que de todas las demás canciones que componen el folklore andaluz y levantino" afirma que "es errónea de que la petenera data del siglo XIX, ya que el ritmo y compás de este cante según el citado autor "se corresponde con el de algunas "villanescas" del siglo XVI, aunque hay indicios de que sea de época anterior, como el romance de Gerineldo (siglo XII ? ), en versión musical de Arcos de la Frontera". Y apoya su idea de la antigüedad de este canta en que los judíos sefarditas residentes en los Balcanes cantan la petenera entre su repertonio de "viellas" canciones de España, incluso con la popular copla que se refiere al nombre de la Petenera, la que le atribuye ser "la perdición de los hombres". Lógicamente, si los judíos de los Balcanes conocían el cante de la petenera era porque también lo conocían sus antepasados expulsados de España. Y concluye Rossy: Hay la creencia de que la petenera es cante de origen semita, lo que no sería nada de extrañar, pues muchos judíos fueron trovadores y juglares y entre estos se cultivó el cante popular". Parece abonar la posición de este autor la existencia de una letra de peteneras muy conocida, que refleja una escena de ambiente netamente judío:
¿Donde vas bella judía, tan compuesta y a deshora? Voy en busca de Rebeco que estará en la sinagoga.
Para Arcadio Larrea, el supuesto de que el origen de la petenera es judío carece de fundamento. Para este autor la letra anteriormente transcrita demuestra un conocimiento absoluto de las costumbres judías ya que, por una parte Rebeco no aparece entre los nombres de barón judíos y por otra las mujeres judías no asistían a la sinagoga.
Otra teoría la procedencia hispanoamericana de la petenera, en base al contenido de determinadas letras de este cante, como , por ejemplo:
En La Habana nací yo debajo de una palmera allí me echaron el agua cantando la petenera.
También se trata de apuntalar este teoría sudamericana de este cante en razón a la posible etimología, en base a su procedencia de Peten, comarca de Guatemala.
Demófilo reflejó en su conocida obra su criterio con relación al tema: "Aunque las peteneras no han estado de moda en Sevilla hasta el año 1879, convienen todos los cantadores en que son antiguaas y en que deben su origen a una cantaora de flamenco llamada La Petenera, a quienes unos hacen natural de Málaga y otros de La Habana. ¿Pero qué significa este mote o apodo de La Petenera, ya que no es nombre como el de Soledad, ni palabra que se encuentre tampoco en los diccionarios gitanos que conocemos?. He aquí una pregunta que podemos contestar satisfactoriamente, a nuestro juicio merced a los autorizados informes del célebre cantaor Juanelo. Petenera o Patenera, nos dijo éste, es igual a Paternera, esto es, natural de Paterna. Semejante afirmación es para nosotros digna de crédito: 1º, porque aunque algunos suponen que La Petenera era de Málaga, otros aseguran que era de la provincia de Cádiz; 2º porque en esta provincia hay efectivamente un pueblo llamado Paterna de la Rivera; 3º, porque la conversión de Paternera en Petenera es perfectamente explicable por razones eufónicas y muy creíble en una raza que convierte vidriera en beriera; 4º, porque la formación de adjetivo es común y corriente; así vemos de Triana, trianera; y 5º y último, porque Juanelo, que es muy entendido en cante flamenco y completamente veraz, no tenia interés en engañarnos acerca de la patria de La Petenera, a quién él mismo llegó a escuchar. La opinión que supone a esta cantaora nacida en Málaga carece de fundamento legítimo y la que la supone oriunda de La Habana no tiene otro apoyo que el , muy cómico, por cierto, que le presta el hecho de cantarse por lo común la petenera tan pícaramente, que más parece un punto de La Habana que un cante gitano".
Para José Blas Vega los orígenes e historia de este cante se prestan a grandes confusiones. La posición de este autor coincide esencialmente con la de Demófilo a que nos hemos referido anteriormente.. Según Blas Vega "este cante debe su origen a una cantaora de flamenco llamada La Petenera, que es igual a Paternera, es decir, oriunda de Paterena de la Ribera (Cádiz) ". Las razones en que fundamenta su postura Blas Vega son muy similares a las defendidas por Demófilo, añadiendo por su parte todos los datos que han proporcionado al tradición y la leyenda sobre la vida de la cantaora.
Si realmente existió La Petenera, es muy posible que fuese la creadora del cante que lleva su nombre, aunque también pudo conocerse el cante, venido de fuera de Andalucía, como hay autores que defienden esta idea, y encontrar en Paterna de la Ribera la persona que la hizo suya dándole a la vez el nombre. En las mismas coplas por este estilo se habla de su figura, como, por ejemplo, en la muy conocida de:
Quién te puso Petenera no te supo poner nombre, que debía haberte puesto la perdición de los hombres.
La leyenda de La Petenera ha quedado reflejada en las coplas de este estilo, donde se refleja a esta figura como a unja mujer de fuerte personalidad y, en cuestiones amorosas, como una sembradora de desgracias, como nos cuentan algunas letras:
La Petenera malhaya y quién la trajo a esta tierra, que La Petenera es causa de que los hombres se pierdan.
Su popularidad la acompañó hasta los últimos momentos de su vida:
La Petenera se ha muerto y la llevan a enterrar. No cabía por la calle la gente que iba detrás.
Según Hipólito Rossy las peteneras se dividen en antigua y moderna y ésta se subdivide en corta y larga. La antigua, según este autor, no la canta nadie y solo la conocen los eruditos. En cambio, la corta , que es la más conocida, es muy fácil de cantar pasablemente y muy difícil de cantarla bien, aunque los cantaores flamencos la menosprecian y la cantan de cualquier manera, sin pene ni gloria. Por último, y según el citado autor, la petenera larga estaba casi olvidada hasta que la resucitó la "Niña de los Peines" (Pastora Pavón), teniendo pocos imitadores y seguidores debido a la dificultad de su canto. La más popularizada por la Niña de los Peines dice así:
Niño que en cueros y descalzo vas llorando por la calle, ven aquí y llora conmigo, que tampoco tengo madre, que la perdí cuando niño.
Fue en los años postreros del siglo XIX cuando Medina el Viejo (José Rodríguez Concepción) dio a conocer su versión de la petenera, que desde entonces fue unida a su nombre. Este cantaor alternó en los colmaos sevillanos con cantaores más jóvenes, que tomaron de él su versión de la petenera, entre ellos don Antonio Chacón, fiel divulgador de la versión de Medina el Viejo. Posteriormente la Niña de los Peines realizó una versión propia, en base al cante de Medina el Viejo y Pepe el de la Matrona ha dejado muestra discográfica de dicho cante.
En la segunda mitad del siglo XX pocos cantaores ofrecían en su repertorio este cante. No obstante, se puede citar como grandes intérpretes de esta época a Pepe el de la Matrona, Naranjito de Triana, Rafael Romero, Fosforito, José Menese y, sobre todo, La Niña de los Peines, la voz que engrandeció y popularizó este cante en todo el ámbito flamenco.
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BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA
Diccionario Enciclopédido Ilustrado del Flamenco.- Ed. Cinterso. Madrid , 1988
José Blas Vega.- Temas Flamencos,- Ed. Dante.
Á. Álvarez Caballero.- Historia del Cante Flamenco.- Alianza Ed. l98l
M. Ríos Ruiz. -Ayer y Hoy del Cante Flamenco. Ed. Istmo.- Madrid, 1997
Hipólito Rossy.- Teoría del Cante Jondo.- Credsa .- Barcelona 1998.
En esta ocasión el color y la alegría de el circo me han inspirado esta pequeña obra y para cumplimentarla añado un poco de la historia de este antiguo arte que día a día renace y se renueva y una joya, la película The Circus (1928) CHARLES CHAPLIN.
Cabe recordar que en los orígenes de la humanidad la «cultura corporal» conformaba un todo, un núcleo común que abarcaba todas las prácticas corporales y que paulatinamente a lo largo de los siglos posteriores fue dividido en «especialidades», tales como el Circo, la Danza, la Gimnasia (deporte), el Teatro, etc. Esta «divergencia» marcó el desarrollo de cada una de estos sectores artísticos.
La historia del Circo se remonta el legado cultural dejado por algunas de las civilizaciones antiguas, desde el lejano oriente ( China, Mongolia, India, etc.), hasta el occidente próximo (Grecia, Roma, Egipto, etc.). En estas sociedades, aproximadamente 3.000 años atrás, algunas de las actividades que hoy relacionamos como parte del contenido circense, como la acrobacia, el contorsionismo o el equilibrismo, tenían una utilidad altamente relacionada con la preparación de guerreros, con los rituales religiosos y con las prácticas festivas.
La práctica de la acrobacia se remonta a la cultura mesopotámica, con un pasado de más de 3.000 años. En ese momento, según estos autores, el acróbata competía «consigo mismo, con las fuerzas de la naturaleza y con sus propios compañeros de tribu».
Paralelamente en China, «arte acrobático», o simplemente la acrobacia, «tiene una historia milenaria», superior a los 2.000 años, conforme prueban los hallazgos arqueológicos. Según los apuntes de David Marfil(2004), unas de las pruebas más antiguas del la existencia del circo es un grafitiencontrado en Egiptoen la tumba de Ben Hassan con fecha aproximada de 2040 a. C.
Tal y como señalan De Blas y Mateu (2000), en el antiguo oriente (3.000 años atrás aprox.), los malabaristas y acróbatas ya viajaban juntos entroupes, utilizando todo tipo de objetos, tales como armas (instrumentos típicos de las artes marciales), juguetes infantiles (diábolo, bastón del diablo), utensilios domésticos (jarrones de porcelana), que lanzaban y recibían con diferentes partes del cuerpo, por ejemplo.
Por otro lado, en Grecia, los gladiadoresen su búsqueda particular por demostrar gran fuerza, realizaban juegos malabares con objetos de gran porte (en su mayoría pesados), como las ruedas de los carros, por ejemplo. En la cultura griega, y en otras del mismo período, las mujeres también «malabareaban», como se puede apreciar en algunas ánforasy jarrones griegos o en los grabados de las tumbas egipcias. Además, en otras civilizaciones antiguas, como la China y otras de la América Centraly del Pacífico Sur, las mujeres también participaban de este tipo de actividades, como bien ilustra el famoso caso de las islas Tonga(Pacífico Sur), donde las niñas (solamente mujeres) hacían, y todavía hacen, malabarismos con grandes nueces denominadastui tui, y donde el éxito de su acto malabarístico tiene consecuencias sociales importantes, respecto al matrimonio, a las posibilidades de ascensión social, etc. (op. cit.). Con los primeros viajes a Américallegaron noticias de las costumbres indígenas, como en el caso de los Aztecas, especializados en el antipodismo(malabares con los pies), y los Shoshonidel Sur de California, donde los malabares hacían parte de los juegos de los niños como por ejemplo en carreras de velocidad mientras manipulaban tres pelotas.
Con todo, fueron los romanosque en la antigüedad dieron el nombreCircoa las actividades de entretenimiento, o mejor dicho, a los espectáculos públicos. Circo era «el lugar reservado entre los romanos para algunos espectáculos, especialmente para las carreras de carros y caballos. Tenía comúnmente forma de paralelogramo prolongado, redondeado en uno de sus extremos, con gradas alrededor para los espectadores». Además de las carreras, en el circo romano, los desafíos concentraban los duelos de vida y muerte, entre hombres y animales, un concepto parecido al que tenemos en la actualidad (corridas de toros).
EDAD MEDIA HASTA LA ACTUALIDAD
Tras la decadencia de estas civilizaciones antiguas, principalmente las occidentales, las artes corporales (teatro gestual, danza, gimnasia y circo) se «eclipsaron», perdiendo su interés entre la población. Posteriormente, en la Europade la Edad Media, las artes corporales empezaron a recobrar su espacio, volviendo poco a poco a la realidad ciudadana. Pero fue en el Reancimiento, cuando los artistas circenses volvieron a tomar los pueblos, las calles de muchos países europeos, ampliando el status social de dicha cultura. El circo en el Renacimiento, consolidando en una práctica que rompía con el orden institucional, divergía del concepto utilitario y visaba sobre todo la diversión, la risa descomprometida de la función educativa, buscando encantar y entretener el público. Era un arte del entretenimiento.
En este período las «troupes de saltimbanquis» ya incluían en sus espectáculos la música, el baile, los cuentos populares, las narraciones épicas, los títeres, además de las habilidades clásicas como la acrobacia y los malabares (De Blas y Mateu, 2000).En este momento imperaba una forma «libre» de exploración de las posibilidades corporales (Annie Fratellini en Unesco, 1988: 27). En muchos pueblos se llegaba a acoger a los artistas itinerantes, ofreciéndoles un lugar para presentar sus espectáculos, como atracción de los acontecimientos públicos importantes. De forma lenta, pero sólida, se pudieron formalizar itinerarios, caminos por los cuales miles de artistas solían pasar durante todo el año.
En la opinión de Coasne (2004: 41), el circo contemporáneo se caracteriza por una mezcla de prácticas, de las cuales podemos destacar la música, el teatro, la pantomima, la acrobacia, la gimnasia, etc. Se trata de un modelo artístico de circo, en el que la técnica está al servicio del arte, de la expresión.
El primer circo moderno fue inaugurado por Philip Astleyen Londres, Inglaterra, el 9 de enero de 1768.
EL CIRCO Y LA VULNERACIÓN DE LOS DERECHOS
Los derechos humanos y derechos de los animales, han sido una parte integral de la evolución reciente de los circos y las artes circenses en general.
Por ejemplo, las deformacioneso condiciones especiales en animales o en humanos, eran parte de un espectáculo mórbido que, peyorativamente, se refería como fenómenos. Un caso famoso fue el del «Hombre elefante ». Aunque vetados en muchas partes del mundo, en algunas otras, estos espectáculos continúan en una forma separada y paralela a algunas ferias o carnavales.
Respecto a los derechos de los animales, son numerosas las ONGs de defensa de los derechos de los animales, ciudadanos y colectivos sensibilizados en el tema, como el de veganosque critican duramente el trato que se le da a los animales que son empleados en algunos circos. Por ello, hacen campaña para pedir a la gente que no vaya a circos en los que se haga uso de animales
También se denuncia que conductas que en muchos circos se ven habitualmente, como los animales enjaulados que no paran de vueltas o los elefantesque mueven la cabeza de lado a lado continuamente, son muestras de los trastornos psicológicos acarreados a estos animales por la vida en el circo. Por ello, en algunos países se ha prohibido el uso de determinadas especies, como en la India, donde en 2009 se prohibió el uso de elefantes tanto en circos como en zoológicos,o en otros, como Canadá, Suecia, Dinamarca, y Bolivia, además de en diversas ciudades de otros estados, donde está prohibido el uso de cualquier animal en los circos.
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Danza Contemporánea BOCETO
La danza contemporánea es un tipo de expresión corporal que está basado en la técnica del ballet clásico, y que conlleva menor rigidez de movimientos. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI junto con pasos tradicionales de cualquier rama del ballet.
Esta danza es cien por ciento interpretativa, sus movimientos se sincronizan con la música tratando de comunicar un mensaje.
Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como video e imágenes usados de fondo.
Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX , buscando una alternativa a la estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario.
Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la Americana y la Europea.
Rudolf Laban interesado en las ciencias esenciales para la comprensión del movimiento, estudió matemáticas, física, química, anatomía y fisiología. Viajó alrededor del mundo en busca de la actividad natural y cultivada. El ballet reclamó su mayor atención. Fue enemigo declarado de las “puntas” y creía que el gesto expresivo tenía que dar origen a una liberación total del alma y del cuerpo, en la misma línea que Isadora Duncan.
Laban elabora e interpreta los conceptos sobre el movimiento y la danza, definiendo tres sistemas: • Labanotación: es una forma de recordar los movimientos por medio de símbolos. Consigue establecer una técnica de lenguaje escrito y fiable de los movimientos, de los dinamismos, del espacio y de todas las acciones motrices del cuerpo. • La técnica del icosaedro: permite a los estudiantes de danza ver los puntos hacia y desde los cuales se mueven, mejorando su precisión en el movimiento. • La danza expresiva, libre, creativa o danza educativa moderna: establece un conjunto de principios y conceptos sobre el movimiento con la finalidad de servir como guía de investigación y de reflexión sobre la manera de efectuar y concebir el movimiento. De esta forma el individuo, a partir de unos temas específicos, ha de explorar y familiarizarse con el movimiento, llegando a descubrir su propia técnica y elaborando su propio lenguaje corporal.
Para Laban la danza es una forma de expresión corporal de un individuo o grupo, y cada uno tiene su propia danza; por eso la técnica de la misma ha de facilitar diversas posibilidades de acción que le hagan reforzar su personalidad.
Una sesión de danza se compone de: l. Training corporal: acondicionamiento corporal y físico. 2. Estudio del movimiento: es el centro de la sesión; se experimentan y realizan todos los movimientos personales y grupales. 3. Composición: verifica el dominio del tema trabajado anteriormente. 4. Decontracción: observación de las composiciones anteriores para favorecer el espíritu crítico, y relajación activa o pasiva.
Otras aportaciones de Laban son: • Los coros de movimiento: que se caracterizan por el énfasis que pone en los movimientos idénticos de varios danzantes para expresar emociones. • Una técnica de los movimientos considerándolos desde cuatro aspectos: -Tiempo: le interesa la rapidez y la lentitud y los cambios entre las dos (aceleración y desaceleración). -Peso: considera el movimiento fuerte y ligero. Los factores tiempo y peso dan la cualidad dinámica al movimiento. -Espacio: lo relaciona tanto con el modo en que nos movemos como con la dirección en que lo hacemos. -Flujo: este factor penetra en todo el movimiento y confiere la sensación de ser detenido o sujetado.
Mary Wigman alemana, discípula de R. V. Laban, aporta como elemento la “intuición creadora”. Considera que el oficio de bailarín es una vocación. Influyó en la formación de bailarines, creando su propia escuela. Su influencia sobre la evolución de la gimnasia moderna se basa en la expresividad exagerada de los gestos y en la alternancia entre contracción y relajación, manteniendo actitudes continuadas tensas y crispadas que varían hacia movimientos dinámicos y alegres ritmos.
Utiliza distintas etapas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la danza sin ningún acompañamiento musical, luego introduce instrumentos de percusión (en los que destacan los tambores) y finalmente llega la música.
Acuarelas Flor Estébanezha recibido la grata noticia de haber sido galardonada con el 'Premio Vale la Pena', otorgado por el blog deCocidito Madrileño
Para mi es un honor recibirlo deCocidito Madrileñoun magnífico blog ,dedicado a difundir e informar de “lo que se cuece en Madrid”temas culturales y eventos de gran interés para madrileños y visitantes.
El 'Premio Vale la Pena' se otorga a aquellos blogs que, de un modo u otro, dedican a sus lectores temas de interés o que, comoFlorestebanez.blogspot.comtrabajan para dar a conocer la historia y actividad de su ciudad.
Este emotivo premio significa un empuje para continuar y un reconocimiento a un trabajo, por eso lo recibo con alegría y entusiasmo.
florestebanez.blogspot.com con el mismo buen criterio, ha decidido entregar este premio a otros diez blogs que lo merecen, y a los que solicita continuar con esta cadena.
Reglas que debéis seguir con este premio, por favor:
Tendréis que colocar este mismo sello, agradeciendo al escritor que os lo otorgó, mencionando su blog, de tal manera que si hacen un clic sobre el sello reconduzca a dicho blog. En este caso enlazará con:http://florestebanez.blogspot.com/
Después tenéis que pensar en diez blogueros para hacer una cadena con las mismas reglas, explicando lo mismo.
Una vez lo hayais pensado, poner los enlaces de dichos blogs en el suyo propio y ruéguenle a estos que sigan la cadena.
Muchas gracias.
Blogs a los que otorgo el 'Premio Vale la Pena':
Y que recomiendo visitar a todos, ya sean madrileños , visitantes o transeúntes que quieran conocer el corazón de nuestra ciudad.
Blogs que viajan a pié por todos los rincones de Madrid, reflejando el día a día de sus artistas, eventos, acontecimientos y noticias, monumentos, curiosidades, tradiciones, sus calles, historias y leyendas, sus habitantes y sus chascarrillos.
