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9 mar. 2011

FLORES, TULIPANES AMARILLOS


Como ya estamos prácticamente en primavera os animo a que pongáis flores. Si tenéis el privilegio de poseer un trocito de jardín pues adelante, si se trata de una terracita siempre alegrarán los ratos que os sentéis y disfrutéis de ella mientras leéis un libro por ejemplo. Si son ventanas, en el alféizar quedan preciosas colgando de sus macetas. Endulzan y alegran las fachadas y animan la vista a los caminantes de las ciudades y pueblecitos.
Ánimo amigos . Dejo un poco de información sobre...

LOS TULIPANES

Son plantas bulbosas se producen a escala industrial con dos objetivos principales, la producción de flor cortada y la de bulbos secos. Estos últimos se destinan, a su vez, a satisfacer la demanda de bulbos para parques, jardines y uso hogareño y, por otro lado, para proveer los bulbos necesarios para la producción de flor cortada. El comercio internacional de flor cortada tiene un valor global aproximado de 11.000 millones de Euros, lo cual da una idea de la importancia económica de esta actividad.

Las versiones tradicionalmente más difundidas sobre el origen del cultivo ornamental del tulipán en Occidente sostienen que este tuvo mediante la importación de bulbos desde el Imperio otomano a través de Centroeuropa desde el siglo XVI. Otros estudios también apuntan a una ruta de introducción en Europa más antigua, desde el Imperio bizantino hacia el Al-Ándalus en la Hispania musulmana. Una versión indica que el embajador austríaco en Turquía Ogier Ghislain de Busbecq, quién además era un floricultor entusiasta, vio tulipanes cultivados en Adrianópolis. En 1544, cuando regresó a Europa, trajo consigo algunos bulbos a los Jardines Imperiales de Viena. Décadas más tarde, en 1593, Carolus Clusius dejó su trabajo en los Jardines Imperiales para tomar un cargo de profesor de botánica en Leiden, Países Bajos, a donde llevó una colección de bulbos de tulipanes que crearon un gran interés y entusiasmo. Entre 1610 y 1620 en Francia y para 1634 en los Países Bajos, el entusiasmo por cultivar estasplantas bulbosas se transformó en una verdadera fiebre conocida como "tulipomanía". Se vendían posesiones de todo tipo para comprar bulbos de tulipán y algunos tipos raros de esta especie costaban el precio de una granja, una casa o varios caballos. En 1623, un solo bulbo de una variedad famosa de tulipán podía costar hasta 1000 florines, cifra exorbitante teniendo en cuenta que la ganancia media anual en aquella época era de 150 florines. Un buen comerciante de bulbos, por el otro lado, podía ganar 6000 florines por mes. En 1635 se produjo una venta de 40 bulbos por 100.000 florines. Para propósito de comparación, una tonelada de manteca costaba aproximadamente 100 florines. Un verdadero récord fue la venta del bulbo más famoso, "Semper Augustus", por 6.000 florines en Haarlem. No había suficientes bulbos en el mercado como para respaldar la demanda existente, por lo que la tulipomanía se transformó en una especulación financiera, en la que los inversores compraban y vendían notas de crédito y no bulbos. Este periodo de euforia especulativa dio lugar a una gran burbuja económica y una crisis financiera. Constituye, de hecho, uno de los primeros fenómenos especulativos de masa monetaria de los que se tiene noticia.

Mercado mundial

Campo de producción comercial de tulipanes, Hokkaido, Japón.
El tulipán se cultiva con dos objetivos principales: la producción de flor cortada y la de bulbos secos. Estos últimos se destinan, a su vez, a satisfacer la demanda de bulbos para parques, jardines y uso hogareño y, por otro lado, para proveer los bulbos necesarios para la producción de flor cortada. El comercio internacional de flor cortada tiene un valor global aproximado de 11.000 millones de Euros, lo cual provee una magnitud de la importancia económica de esta actividad.
El principal país productor de bulbos de tulipán son los Países Bajos, país que concentra el 87% del área mundial, la cual es de aproximadamente 12.000 hectáreas. Los bulbos de esta especie se producen significativamente en otros 14 países, encabezados por Japón, Francia y Polonia. La mayoría de estos países utiliza los bulbos obtenidos para su propia producción de flor cortada o para abastecer su mercado minorista de bulbos secos. Los Países Bajos, sin embargo, aparte de ser el principal productor internacional de bulbos, es la excepción a esta generalización. De hecho, produce aproximadamente 4.000 millones de bulbos anualmente, de los cuales el 53% se usan en el mercado de flor cortada y los restantes se utilizan en el mercado de bulbos secos. De los bulbos destinados al mercado de flor cortada, los Países Bajos utilizan el 57% para satisfacer su mercado interno y el resto lo exporta a varios países, dentro y fuera de la Unión Europea.

Aquí a modo de animación de este post, dejo un vídeo relacionado




Que lo disfrutéis.

MUJERES MALDITAS: JANIS JOPLIN (¡¡¡Recomendado!!!)

4 mar. 2011

DESNUDOS EN LA ESCALERA


En esta composición vuelvo a echar mano de mi cajón de bocetos, un material acumulado durante mucho tiempo que me sirve para nuevos trabajos.
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Historia del desnudo
   Tras la Crisis del siglo XIV (la de la Peste Negra) se comienza a evidenciar en «Occidente» el resurgir de la representación del cuerpo humano desnudo; recién tras tal profunda crisis que conmovió a gran parte de Eurasia y especialmente a Europa se produce un renacimiento de la economía y de la vitalidad humana, esto da lugar en el Quattrocento a los primeros claros prolegómenos del humanismo y a las primeras pinturas postclásicas que representan alegremente el desnudo, esto es en el arte el Renacimiento (Véase: Botticelli y sus Nacimiento de Venus y Primavera o la — caracterizada por su pose en contraposto— Leda y el cisne de Leonardo). Sin embargo, en tales casos y durante mucho tiempo el pretexto para representar el desnudo parcial era algún tema religioso cristiano (como los frescos en la Capilla Sixtina debidos a Miguel Ángel, o si se trata del Renacimiento Nórdico el Adán y la Eva del Políptico de Gante debidos a Jan Van Eyck) y para el desnudo total la representación de algún tema mitológico pagano, un estudio de tal Renacimiento fue comenzado mucho más tarde por Jakob Burckhardt quien pudo hablar de la obra cerrada (Opus Clausa) al hacer la crítica de un modelo clásico griego que luego inspiraría a los desnudos academicistas, tal modelo es el de la Venus de Cnido que sería imitada especialmente a partir del manierismo que desde la Italia del Cinquecento (con obras como la Venus de Urbino del Tiziano, pintura en la cual lo «mitológico» en cuanto pretexto es patente) desemboca en la pintura cortesana o galante de la Francia de los Luises (trabajos eróticos de Fragonard, Watteau, Boucher). Por su parte en España al iniciarse el siglo XIX Goya con su Maja desnuda presenta una genuina revolución al realizar una gran pintura en la cual el desnudo está ya despojado de toda censura. Así hasta los 1960s (época en que se produce ya irrecusable la llamada Revolución sexual) el desnudo suele ser erótico y muchas veces de objetivo comercial (representaciones de desnudos o fotografías y filmaciones de desnudos con objetivo de venta), al iniciarse el siglo XXI se observa — por su masividad— una banalización comercializada del desnudo. Mas informacion en wikipwdia

FLORES SILVESTRES


flores silvestres, acuarelas de flores, flores cuadro, 
 Unas florecillas que recogí cerca de la carretera camino a San Sebastián, parece mentira pero por esta preciosa tierra, las flores silvestres parecen de jardín, su tamaño y variedad son impresionantes, no lo había visto nunca. No pude resistirme a coger un ramo para disfrutarlas y poder hacer un boceto y aquí está. De paso si os gustan los viajes, os recomiendo que visitéis mi blog de nuestras escapadas en autocaravana, donde encontraréis relatos y fotografías de los lugares que vistamos. Aquí dejo el enlace: elviajerosinprisa.blogspot.com
  De paso os amenizo el post con este video de Rosario Flores, por aquello de que pega con su nombre,  a quien admiro, me parece una extraordinaria artista  muy reconocida desde luego, aunque pienso que si hubiera nacido en Estados Unidos por ejemplo, sería mucho mas conocida  internacionalmente, se lo merecería. A mi me recuerda por su vitalidad, fuerza y energía en el escenario a Tina Turner. Claro que, ya sabemos como somos los españoles para lo nuestro, digamos que un poco...."particulares" todo es cuestión de gustos y a mi me encanta.




Bueno pues esto si que es un champlazo, de repente me encuentro con que el vídeo de Rosario Flores que tenía incrustado en esta entrada ha dejado de funcionar y me dice que está restringido y que solamente se puede ver en Youtube.......Desde luego, me voy a enfadar contigo amiga Rosario, ¡¡encima que te hago promoción gratuítaaaa.........!!

2 mar. 2011

LAS FOTOS DE MIS COMIENZOS, ya ha llovido


Aquí os dejo un poco de historia, mejor o peor... forma parte de mi. Esta foto es un entrañable recuerdo, premiaban por primera vez mi trabajo, fué muy emotivo para mi, claro era en mi pueblo jeje.todos tenemos algo parecido

Las siguientes son fotos de exposiciones de cuando tenía ganas de dejarme el lomo en estos eventos, ahora paso de estas cosas, ni los tiempos ni yo estamos para estos menesteres, por lo menos de momento.





......y el currículum también viejo, reconozco que ya no me he molestado en actualizar nada, ahora como sabéis estoy en mi placita del Conde de Barajas en Madrid , es bastante mas animado y devertido, aunque también cuesta sacrificio no creáis.



:. PREMIOS

2 º Premio del Primer Concurso de Pintura del Ayuntamiento de Arganda del Rey 1971
Premio VII Certamen Nacional de Acuarela "El Tormo" Cuenca 1996
Premio Caja Castilla La Mancha IX Certamen Nacional de Acuarela 1998.
1 º Premio de Acuarela Fedipica Palacio Real de Madrid, Otoño de 2002.
2 º Premio Acuarela "Almazán-Pinta" 2003, Almazán (Soria)
2 º Premio de Dibujo Fedipica, Palacio Real de Madrid, Mayo 2004
3 º Premio de Pintura de la Fundación Villa de Pedraza (Segovia) Junio 2004
1 º Premio de Dibujo Almazanpinta, Almazán (Soria) Mayo 2005


CRÍTICA


- He seguido de Flor en cada una de sus exposiciones y cada vez Descubro algo nuevo que me atrae hacia su pintura.
-. Sus colores limpios, sus amplios paisajes Y POR SUPUESTO su luz. Esta, va Creando un amplio abanico de sensaciones que nos transporta desde una mañana soleada Hacia un atardecer brumoso.
- Sus pinturas llenas de historias, de sensaciones, de sentimientos Experimentados imágenes Contemplar al que éstas, no dejan frío al espectador, sino que dejándose llevar Encuentran un mundo agradable, bello, ensoñado, pero no por esto menos realista. .. Quien Recorra esta exposición, vera que la pintura de Flor Estébanez es como una Bocanada de aire fresco que nos regala, muy agradable de sentir y respirar.

 Margarita de Andrés. H ª del Arte

EXPOSICIONES

 Individual: Kalima 1995, Rivas (Madrid)
Colectiva: IICertamen Todos A.E.D.A. 1996 (Madrid)
Individual: Pontón 1996.Collado Villalba (Madrid)
Colectiva: VII Certamen Nacional El Tormo 1996 (Cuenca)
Individual: Víctor Jara 1996 Arganda (Madrid)
Individual: CajaCastilla La Mancha 1996 Caudete (Albacete)
Colectiva: Salón de Invierno de Acuarela 1996 (Madrid)
Colectiva: XXIV Certamen Caja Madrid 1997 (Madrid)
Colectiva: V Certamen La Acuarela y Aranjuez 1997 (Madrid)
Individual: Pedraza 1997 (Segovia)
Individual: Los Tamarises 1998 Guetxo (Vizcaya)
Colectiva: VI Certamen La Acuarela Aranjuez 1998 (Madrid)
Colectiva: IX Certamen Nacional El Tormo 1998 (Cuenca)
Individual: Aena 1999 Barajas (Madrid)
Individual: Mezquita 1999 (Madrid)
Colectiva: Arte Nono 1999 Becerril (Madrid)
Colec: VII Certamen de La Acuarela y Aranjuez 1999 (Madrid)
Colectiva: X Certamen El Tormo 1999 (Cuenca)
Colectiva: Almazanpinta, Mayo de 2003, Almazán (Soria)
Colectiva: Palacio Real de Madrid, Mayo de 2003 (Madrid)
Colectiva: Galería Pinacotecarte, Julio de 2003 (Toledo)
Individual: Pedraza, Sala Municipal, Mayo de 2004 (Segovia)
Individual: Sepúlveda, Sala Castillo, Abril 2005 (Segovia)
Colectiva: Almazanpinta, Mayo 2005, Almazán (Soria)
Colectiva: Habitalia, Octubre 2005 (Madrid)
Individual: Amsterdam, Noviembre 2005, Alcalá de Henares (Madrid)
Colectiva: Feria de dibujo y pintura de Gerona. 2005. (Gerona)
Colectiva: Feria de dibujo y pintura de Figueras 2006. (Figueras)

...... Otras ferias de arte y exposiciones algunas mas, pero donde
podrás encontrarme todos los domingos por la mañana en:
Plaza Conde de Barajas de Madrid, un sitio estupendo donde comparto con
mis compañeros pintores este lugar, que te invito a visitar.

24 feb. 2011

BAYEUX, Francia (Boceto)

BOCETO de BAYEUX , lo tomé en  agosto 2010
 durante unas inolvidables vacaciones por Normandía y La Bretaña 

Teníamos pensado continuar viaje bordeando la costa pero viendo el mapa, nos fijamos que no estaba muy alejada de la zona la ciudad de Bayeux, de donde teníamos algunas referencias interesantes. Allí que nos dirigimos dejándonos guiar por el gps. Y como siempre evitando peajes, seguíamos disfrutando mucho circulando por carreteras comarcales, atravesando pueblos encantadores. Es un placer viajar en este plan. Sin agobios de horarios, sin fechas comprometidas, “a nuestra bola“. La Catedral de Bayeux se deja ver desde lejos y.........Si os apetece seguir  el relato de nuestro viaje en autocaravana y ver las fotografías de Bayeux que hicimos, pincha en el siguiente enlace....MI BLOG DE VIAJES

Bayeux es un municipio en el Calvados departamento de Normandía en el noroeste de Francia.
   Fundada como un asentamiento galo-romano en el siglo 1 aC bajo el nombre Augustodurum, Bayeux es la capital del antiguo territorio de la Bodiocassi pueblo de la Galia, cuyo nombre aparece en los escritos de Plinio el Viejo. La evidencia de ocupación humana anterior del territorio proviene de campos fortificados celtas, pero no hay evidencia de ninguna ciudad importante anterior a los Celtas  antes de la organización de la Galia romana civitates . Era más probable que se limitarse a chozas Druidas dispersas a lo largo de las orillas del río Aure y Drome o en el monte Phaunus donde adoraban. Los cementerios se han encontrado en el cercano Monte Phaunus indicando el área como un centro de druida. Tito Sabino, un teniente de Julio César, sometió la región Bessin a la dominación romana.

  La ciudad es mencionada por Ptolomeo, escrito durante el reinado de Antonino Pío con el nombre de Noemagus Biducassium (nuevo mercado de la Badiocassi) y así permaneció hasta la época del Imperio Romano. La calle principal ya era el centro de la ciudad. Un par de balnearios en la Iglesia de San Lorenzo y la calle de la oficina postal de leche y una cabeza esculpida de la diosa Minvera encontrado acreditan la adopción de la cultura romana. En 1990, un examen más detenido de enormes bloques descubiertos en la Catedral en el siglo 19 se indica la presencia de un antiguo edificio romano. Bayeux fue construida en un cruce de caminos entre Lisieux y Valognes, en desarrollo por primera vez en la orilla oeste del río. Al final del siglo tercero, rodeado de un recinto amurallado de la ciudad hasta que fue removido en el siglo 18. Es diseño es aún visible y se puede seguir hoy en día. La ciudadela de la ciudad estaba situada en la esquina suroeste y el sureste de la Catedral. Una ciudad importante en Normandía, Bayeux fue parte de la defensa de las costas del Imperio Romano contra los piratas de la región y una legión romana estaba estacionado allí.

Si el tiempo me lo permite me gusta tomar apuntes en nuestros viajes.

  En la Edad Media, la ciudad fue destruida en gran parte durante las redadas vikingas de finales del siglo noveno, pero fue reconstruida a principios del siglo 10 bajo el reinado de Bothon. El elevent vio la creación de cinco pueblos más allá de las paredes de las pruebas al noreste de su crecimiento durante el Ducado de Normandía. Por medio de Guillermo el Conquistador hermano Odo de Conteville fué completada la catedral de la ciudad y fue inaugurada en 1077. Sin embargo, la ciudad empezó a perder importancia cuando William trasladó su capital en Caen. Cuando el rey Enrique I derrotó a su hermano Robert Curthose del Estado de Normandía, la ciudad fue quemada para establecer un ejemplo para el resto del ducado. Bajo Ricardo Corazón de León, Bayeux fue lo suficientemente rico como para comprar un fuero. Desde el final del reinado de Ricardo hasta el final de la Guerra de los Cien Años, Bayeux fue saqueada varias veces hasta Enrique V, capturado de la ciudad en 1417. Después de la Batalla de Formigny, Carlos VII recuperó la ciudad y concedió una amnistía general a su población en 1450. La captura de Bayeux anunciaba el retorno a la prosperidad, como las nuevas familias sustituye las diezmadas por la guerra y estos construyeron unas 60 mansiones repartidas por la ciudad, con la piedra de suplantación de madera.


  En la actualidad, el área alrededor de Bayeux se llama el Bessin, que era una provincia de Francia hasta la Revolución Francesa . El nombre de la ciudad y la región proviene de la tribu celta que habitaba la región Bajocasses. Durante la Segunda Guerra Mundial, Bayeux fue la primera ciudad liberada en Francia durante la Batalla de Normandía , y el 16 de junio 1944 el general Charles de Gaulle hizo su primer discurso importante en Bayeux en el que dejó claro que Francia puso del lado de los Aliados. Los edificios en Bayeux quedaron prácticamente  intactos durante la Batalla de Normandía, las fuerzas alemanas que participan plenamente en la defensa de Caen de los Aliados.

  Bayeux con su memorial incluye el mayor cementerio británico que data de la Segunda Guerra Mundial en Francia. Hay 4.648 tumbas, incluyendo 3.935 británicos y los alemanes 466. La mayoría de los enterrados allí fueron muertos en la invasión de Normandía.

  El río Aure fluye a través de Bayeux, que ofrece vistas panorámicas desde varios lugares. El Aure tiene un nivel relativamente alto de la turbidez y la velocidad de sus aguas color marrón es moderado debido a la suave pendiente del curso de agua, aunque cuando se estrecha en lugares como el centro de Bayeux, se generan mayores velocidades de la superficie .




Os dejo  el famoso tapiz de Bayeux en versión animada
Recreación animada del Tapiz de Bayeux por es.wikipedia.org 

  Bayeux es una importante atracción turística, el más visitado de británicos y franceses es el tapiz de Bayeux , realizado para conmemorar los acontecimientos en la conquista normanda de Inglaterra en 1066. Según la leyenda, el tapiz fue hecho por Reina Matilde, esposa de Guillermo el Conquistador. De hecho, puede haber sido diseñado y tejido en Inglaterra. Se muestra en un museo en el centro de la ciudad. 

  El gran Norman - románica y gótica Catedral de Notre-Dame de Bayeux , consagrada en 1077, fue posiblemente el hogar original de la tapicería, donde es la mitad de William, hermano de Odo de Bayeux (representados en el tapiz con un palo en la batalla de Hastings ), habría querido.

  El Jardín Botánico de Bayeux es un jardín botánico que data de 1864. 


Puedes ver fotos de Bayeux y de otros lugares en mi blog. elviajerosinprisa.blogspot.com

17 feb. 2011

TANGO IV




En esta acuarelita intento reflejar simplificando al máximo los medios utilizados,  el abrazo en el tango y el ambiente intimo de una milonga.
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El Tango, patrimonio cultural de la humanidad


  La Organización Cultural de Naciones Unidas, Unesco, declaró el tango como patrimonio cultural intangible de la humanidad.
Unos 400 expertos reunidos en Abu Dhabi, que estudian cientos de candidaturas, reconocieron que el baile seductor con letra melancólica debe ser salvaguardado.
El tango "personifica y alienta tanto la diversidad cultural como el diálogo", informó la organización.

Criterios indispensables

  El tango se originó en las clases trabajadoras de Montevideo y Buenos Aires a principios del siglo XX. Con su baile sensual de roce de piernas y ochos en el suelo, pronto se convirtió en sinónimo de pasión latina a nivel global. No obstante, para las capitales del Río de la Plata el tango está arraigado en su baile tradicional, en su poesía y sus canciones.En esta región forma parte de esa historia de descendientes de esclavos e inmigrantes europeos que se asentaron a orillas de un río que sirve de frontera natural entre Uruguay y Argentina. Significa una tradición que se mantiene viva por jóvenes, adultos y ancianos que llenan las milongas o salones de baile.
"Entre esta mezcla de inmigrantes europeos, descendientes de esclavos y criollos surgió un amplia gama de costumbres, creencias y rituales que se transformó en un distintivo cultural de identidad", publicó la Unesco en su página de internet.
  Para la organización, el tango reúne cinco criterios indispensable para que sea de interés global. Es distinto, original, las comunidades rioplatenses lo sienten como propio, enriquece el acerbo cultural y existe un plan conjunto de preservación.

En el papel

  Este plan conjunto fue presentado por los gobiernos locales de Montevideo y Buenos Aires hace un año cuando inscribieron el tango ante la Unesco."Nos comprometimos a realizar conferencias, seminarios y talleres, así como iniciar un proyecto de preservación de partituras que rescate toda la tradición oral", le dijo a BBC Mundo Hernán Lombardi, ministro de Cultura del gobierno de Buenos Aires.
Lombardi también explicó que, junto con Montevideo, piensan fundar una orquesta de tango rioplatense.Si bien el reconocimiento de la Unesco no viene acompañado de ayudas financieras, Lombardi explicó que para sacar adelante tales programas los gobiernos locales tienen presupuestado US$3 millones al año.
 "La Unesco te da la distinción que significa un compromiso", aclaró. La revisión de los candidatos que este año aspiran a formar parte de la lista de los patrimonios culturales intangibles de la humanidad

MILONGA PARA GAVITO

Aquí os dejo esta joya, CARLOS GAVITO con MARÍA PLAZAOLA. Es mi humilde homenaje a uno de los mas grandes de este sentimiento que se baila. El maestro ya se fué, pero siempre estará presente en el recuerdo de todos los amantes del Tango. Espero que os encandile, emocione, apasione tanto como a mi.¡¡Que lo disfrutéis!!



No me resisto, os dejo dos joyas.

2 feb. 2011

TAUROMAQUIA, Toreo al natural


TAUROMAQUIA, Pase natural

El color, el movimiento es la selección que hago e intento plasmar en estos trazos.


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Historia 

  En los primeros tiempos del toreo a pie, el pase natural (también llamado entonces «pase regular»), como en general el toreo de muleta, solo se usaba como preparación de la muerte del toro. La muleta era más pequeña y no permitía grandes alardes. La gran revolución del toreo de muleta llegó con Costillares.

  El torero sujetaba la espada con la mano derecha, por lo que lo «natural» era manejar la muleta con la izquierda. Es por ello motivo de antigua controversia entre los aficionados si solo son pases naturales los que se dan con la mano izquierda, o bien si cuando se despide al toro con la mano derecha por el mismo procedimiento deben considerarse también pases naturales. Esto se debe a que en tiempos de Pepe-Hillo, autor de la primera tauromaquia (1796), aún no se toreaba con la mano derecha con la muleta y no contempló en su obra tal variante, por lo que tradicionalmente no ha estado tan bien vista como el natural por la izquierda. En general, los tratadistas modernos, como Cossío, aceptan que son pases naturales con independencia de la mano con la que se ejecuten, siempre que se reciba a la res por el lado donde se sujeta la muleta. En caso contrario, son pases cambiados (cuya variante más conocida es el pase de pecho, en oposición al natural).




En la actualidad

  En la ejecución de esta suerte fundamental, el diestro cita al toro en el terreno de este, abriendo la muleta en la cara de la res, adelantando una pierna, dando el pecho o medio pecho y alargando todo lo posible la embestida, tratando de impedir que el animal enganche el engaño. La mano derecha, con la espada, suele situarse en la cadera y, bien ejecutada, el toro se enrosca en el cuerpo del torero, lo que le confiere una gran belleza y cansa mucho al toro, que tiene que arquearse para seguir el semicírculo que traza el torero con la muleta. Hoy se aprecia sobre todo cuanto mayor sea la lentitud y la largura con la que se ejecute el pase. Cuando se consiguen ligar varios pases naturales seguidos, suele culminarse la serie con un pase de pecho.

  Existen tres variantes del pase natural, en función de la altura con que se saque la muleta al rematar el pase: por encima de la cabeza del toro (pase por alto), por delante de su cara (en redondo o, si es con la mano derecha, pase de la firma) o por debajo (pase por bajo). El pase natural por antonomasia es el pase en redondo, máxima expresión del toreo moderno. Así define este lance la Tauromaquia de Guerrita:

 Cuando el animal llegue a jurisdicción y tome el engaño, se cargará la suerte, que se remata girando y estirando el brazo hacia atrás con sosiego, describiendo con los vuelos de la muleta un cuarto de círculo, a la vez que se imprime a los pies el movimiento preciso para que una vez terminado el pase quede el diestro en posición de repetirle.

Wikipedia

25 ene. 2011

JOAQUIN CORTES, Farruca


El flamenco es un arte que siempre me inspira, tiene movimiento y fuerza. En esta ocasión el gesto es muy característico de este bailarín que me encanta.

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JOAQUIN CORTÉS, Bailaor de flamenco

  Se inició en la danza a los doce años y a los quince ya formaba parte del Ballet Nacional de España. Luego se lanzó al mundo bailando por su cuenta, y participó en diversas galas, además de colaborar en varias compañías y espectáculos. En 1992 creó su propia compañía, Joaquín Cortés Ballet Flamenco. Ha representado en el mundo estos espectáculos suyos: "Cibayí", "Pasión Gitana" (con el cual se hizo famoso), "Soul", "Live" y, en 2006, "Mi soledad". Llevar el flamenco por el mundo




  Joaquín Cortés tiene un estilo muy personal, en el cual logra mezclar flamenco, ballet y jazz; lo que sería según los entendidos la clave de su éxito. Se ha convertido a través de los años en el rey del flamenco popular, además de ser muy respetado por lo más alto de esta danza.

  Nació en Córdoba, España, en 1969, en el seno de una familia gitana. Luego se fue a vivir a Madrid y a los doce años, incentivado por su tío -el bailaor Cristóbal Reyes-, empezó a estudiar danza. Tres años después ingresó en el Ballet Nacional de España, con la cual viajó por todo el mundo, logrando actuar en prestigiosos teatros (como, el Metropolitan, Opera House de Nueva York, el Palacio de Congresos del Kremlin de Moscú, entre otros).

  Pero en 1990, con ansias de superarse, decidió abandonar esta compañía. A partir de entonces participó en diversas galas junto a importantes figuras (Maya Plisetskaya, Silvie Guillem, Peter Schauffuss), y colaboró con varias compañías y espectáculos como artista invitado o coreógrafo.

  En 1992 creó su propia compañía, Joaquín Cortés Ballet Flamenco. Su primer espectáculo fue "Cibayí", con el cual se presentó en Japón, Francia, Italia, Venezuela y Estados Unidos. Pero además de su carrera en la danza, donde se consagró como uno de los más populares y célebres, hizo algunas participaciones en el cine.

  Tuvo el privilegio de debutar con Pedro Almodóvar, en su película "La Flor de mi Secreto" (1995). Pero también trabajó con Carlos Saura en el film "Flamenco" y con Manuel Palacios en "Gitano" (2000), en la cual tuvo su primer protagónico.


  La popularidad internacional la obtuvo en 1995 con su segundo espectáculo "Pasión Gitana", el cual se prolongó hasta 1998. El mismo contó con la participación de Giorgio Armani en el diseño del vestuario, y además ha sido visto por más de un millón de personas. En casi cuatro años de gira recorrió más de treinta países, y vale destacar las actuaciones en el prestigioso Festival de Spoleto, el Forum de Milán, el Radio City Music Hall y el City Center de Nueva York, entre muchas otras.

14 ene. 2011

DANZA CONTEMPORÁNEA, Nacho Duato



Aquí dejo un boceto donde pretendo hacer  trazo continuado, sin interrupción. No siempre tengo el día apropiado para conseguirlo, la mente preparada, sin titubeos ni vacilaciones.

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DANZA CONTEMPORÁNEA, Nacho Duato

 Nacho Duato nace en Valencia, 8 de enero de 1957. Bailarín de ballet y coreógrafo español. Fue director artístico de la Compañía Nacional de Danza desde 1990 hasta julio de 2010, puesto al que llegó tras una larga y premiada carrera en las mejores compañías.

 Se formó como bailarín en la Rambert School de Londres,1 y, tras ello, amplió sus estudios en la Mudra School de Maurice Béjart en Bruselas y en la American Dance Centre de Alvin Ailey en Nueva York, todas ellas instituciones de primera línea mundial en su campo.

 Su carrera profesional como bailarín comenzó en 1980, en el prestigioso Cullberg Ballet de Estocolmo,2 pero fue un año después, cuando ingresó en el Nederlands Dans Theater,3 de la mano de su director Jirí Kylián, cuando de verdad Duato adquirió auténtica relevancia en el mundo del ballet. Allí compuso su primera coreografía Jardí tancat (Jardín cerrado) (1983, con música de Maria del Mar Bonet), con la que ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional de Colonia (Internationaler Choreographischer Wettbewerb, Köln). En 1988 fue nombrado coreógrafo estable del NDT, junto a Hans van Manen y al propio Kylián.

 Sus ballets y coreografías forman parte del repertorio de las más prestigiosas compañías internacionales, como las ya mencionadas Cullberg Ballet y Nederlands Dans Theater, pero también del American Ballet Theatre, el Ballet de la Ópera de París, el Ballet de la Ópera de Berlín, la Compañía de Ballet Australiano, Les Grands Ballets Canadiens, el Stuttgart Ballet, el Ballet Gulbenkian de Lisboa, el Ballet de la Ópera de Finlandia, el Ballet de San Francisco o el mismo Royal Ballet.

 Desde junio de 1990, invitado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Educación y Cultura, Duato pasó a ser director artístico del Ballet del Teatro Lírico Nacional de España en Madrid, que desde 1993 se conoce como Compañía Nacional de Danza, puesto que ocupó hasta el 31 de julio de 2010. Su labor como director se extendió posteriormente hasta la formación de la Compañía Nacional de Danza 2, que nació como cantera de jóvenes bailarines que van cambiando cada dos años. También en 2010, Duato firmó contrato para dirigir el ballet del Teatro Mijáilovski de San Petersburgo.

28 dic. 2010

DESNUDOS SERIE ROJA I


DESNUDOS: SERIE ROJA 
Esta es una pequeña obra que como en otras ocasiones he realizado a partir de bocetos previamente tomados del natural en el Círculo de Bellas Artes. Es posible que haga mas de diez años que tomé estos bocetos que conservo apilados en un cajón de mi estudio,  es un material muy valioso al que recurro muy a menudo. El resultado final me ha dejado bastante satisfecha, no siempre consigo reflejar tanto con tan pocas pinceladas.

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.....continuaión. Historia del desnudo 
   Luego de la prehistoria, paulatinamente y sobre todo con el surgimiento de estados civilizados se nota un paulatino énfasis en el rostro, en un primer momento muy idealizado tal cual se observa en las Koré y los Apolo del arte griego arcaico que en este aspecto semeja aún al arte de los grandes imperios de la Mesopotamia Asiática o del Valle del Nilo. Sin embargo el arte minoico acaso inspirado en cierto arte naturalista egipcio que lograba eludir al hieratismo supo resaltar la dinámica vital de los cuerpos anticipando de este modo al arte griego clásico (el cual se explaya en cuanto al desnudo en tres vertientes: la idealizante, la naturalista y la realista) durante el periodo de apogeo del arte griego (luego difundido a Etruria y Roma) se exalta el kalos (la belleza) del cuerpo humano y para esto se evitan las rigideces o las formas pesadas, sin embargo de esta aparente ausencia de hieratismo, la noción griega del kalos plantea un profundo conocimiento de la anatomía (al menos de la anatomía más visible), la existencia de cánones (canón de alturas: 8 cabezas para el varón y 7 para la mujer) y acorde con estas proporciones todas las demás proporciones siguiendo en lo posible a la sección aurea, de este modo se evita toda desmesura (o hybris) para mantener la armonía, tal armonía se puede observar en la especial serenidad de las posturas y rostros (miradas, labios) de las estatuas de Afrodita o de Apolo. 

  Tras las campañas de Alejandro, el arte del desnudo helénico irradia sus influencias y llega al arte de la India en el cual los cuerpos (especialmente los femeninos) son plasmados artísticamente con cánones típicos en los que se resaltan las formas curvilíneas de cinturas estrechas que resaltan las caderas femeninas y senos mamarios turgentes más un abundante añadido de adornos (pulseras, ajorcas, collares, tocados de cabello), las figuras femeninas suelen ser dispuestas en líneas sinuosas casi como evocando las de los vegetales que así acentúan la morbidez (lo más semejante será el Contraposto en «Occidente)», este despliegue de arte sensual y voluptuoso hindú se puede apreciar en los templos de Ajantā, el de Suria o el de Cchapri entre otros hasta tener su apogeo entre los siglos X y XII en los templos de Khajuraho. Mientras que en el «Occidente» con el avance del cristianismo la representación artística del desnudo decayó: el cristianismo exaltó una representación muy sublimada de los seres humanos al considerar los teólogos que la «carne» era frágil, perecedera, mortal e inducible al «pecado», ante esto el arte cristiano medieval (en particular el arte bizantino) trató de exaltar los aspectos "espirituales" del cuerpo humano, lo cual prácticamente equivalió a evitar el desnudo (por contrapartida las representaciones corporales fueron pintadas o dibujadas con ropas holgadas, infladas, y los cuerpos fueron alargados en una estilización que llegó a un canón de 10 y 11 cabezas; la misma cabeza de las personas consideradas santas se dibujó a partir de dos círculos superpuestos).
Mas información www.wikipedia.org



19 dic. 2010

MADRID, Plaza de la Villa

MADRID, MADRID, MADRID.




La Plaza de la Villa está situada en el casco histórico de Madrid (España), junto a la calle Mayor, que conforma su cara septentrional. En ella tienen su origen tres pequeñas calles, correspondientes al primitivo trazado medieval de la ciudad: la del Codo aparece por el este, la del Cordón por el sur y la de Madrid por el oeste.

En su contorno se encuentran las fachadas principales de tres edificios de gran valor histórico-artístico, levantados en diferentes siglos. El más antiguo es la Casa y Torre de los Lujanes (siglo XV), construido en estilo gótico-mudéjar, que se emplaza en la cara oriental de la plaza.

Le siguen en antigüedad la Casa de Cisneros (siglo XVI), un palacio plateresco que cierra la parte meridional del recinto, y la Casa de la Villa (siglo XVII), de estilo barroco, una de las sedes del Ayuntamiento de Madrid, ubicada en la zona occidental de la plaza.

La Plaza de la Villa fue uno de los principales núcleos del Madrid medieval, dada su ubicación equidistante entre la puerta de Guadalajara y la de la Vega, dos de los accesos más importantes de la ciudad durante la Edad Media.

Antiguamente era conocida como Plaza de San Salvador, por la iglesia del mismo nombre que se alzaba en la calle Mayor, en cuyo pórtico se realizaban las sesiones del Ayuntamiento, y que en la actualidad es recordada por una lápida que se encuentra en el sitio donde se levantaba el templo (aproximadamente en el número 70 de la citada vía).


  La llamada Casa de la Villa ocupa el antiguo solar de las casas del Marqués del Valle, D. Juan de Acuña, donde habitaba el Duque de Osuna D. Pedro Girón (1574-1624), cuando en el Jueves Santo de 1621 fue hecho preso por orden del rey.

 En el siglo XV, la Plaza de la Villa adoptó su actual denominación, coincidiendo con la otorgación del título de Noble y Leal Villa recibido por Madrid, de manos del rey Enrique IV de Castilla (1425-1474).

 Antiguo Ayuntamiento de la villa de Madrid (1693-2007). A pesar de las diferentes opiniones, parece ser la más fiable, cuya construcción comenzó hacia 1645, a partir de un proyecto del arquitecto Juan Gómez de Mora, y que fue terminada en 1693. La galería de columnas toscanas de la fachada que da a la calle Mayor es obra de Juan de Villanueva (1789).

 Es la sede del Ayuntamiento de Madrid, si bien desde el 5 de noviembre de 2007 la Alcaldía de Madrid se trasladó al Palacio de Comunicaciones, quedando este edificio prácticamente en exclusividad como sede del Pleno Municipal.



Mas información www.wikipedia.org

15 dic. 2010

MADRID, Puertacerrada


MADRID, Puertacerrada

Justo pegadita  a esta plaza de Puertacerrada, un nutrido grupo de pintores, al que tengo la suerte de pertenecer, exponemos nuestra obra al aire libre  en otra placita que os recomiendo, se llama Plaza Conde de Barajas y no hay un lugar mas apetecible bonito y tranquilo para dar un paseo cualquier día de la semana y tomar una cervecita en alguna de sus encantadoras terrazas , pero sobretodo  los domingos por la mañana,  en que los pintores ponemos en ella una luminosa pincelada de color. En este enlace que dejo podéis ver el ambiente que se respira en ella, vosotros juzgaréis.  Enlace Conde de Barajas

En el vídeo-documental de Arturo Pérez Reverte,  que pongo abajo, se refleja de una forma magistral el Madrid de Los Austrias en el Siglo de Oro.
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  La Plaza de Puerta Cerrada se halla en la ciudad española de Madrid, dentro de su casco histórico. Está formada por la intersección de las calles de la Cava Baja, del Nuncio, de Segovia, de San Justo, de la Pasa, de Gómez de Mora, de Cuchilleros y de Latoneros, que configuran, siguiendo la dirección de las agujas del reloj, sus lados meridional, occidental y septentrional.
Al este se sitúa la calle de Tintoreros, que comunica con la Plaza de Segovia Nueva, a la que confluyen las calles de Toledo, de Concepción Jerónima y de la Colegiata.

  La plaza toma su nombre de una de las puertas de la desaparecida muralla cristiana de Madrid, que estuvo emplazada en este enclave durante la Edad Media y el Renacimiento. El citado acceso se llamó inicialmente Puerta de la Culebra, en alusión al relieve de dragón instalado en su frontal. Esta puerta fue clausurada ante los continuos delitos que tenían lugar en su interior, formado por varios recovecos que facilitaban el escondite de ladrones y asaltantes.
Desde entonces empezó a ser conocida como Puerta Cerrada, nombre que perduró una vez que la puerta medieval fue derribada. Su demolición se produjo en el año 1569, con ocasión de la entrada en la ciudad de Isabel de Valois, esposa de Felipe II. Estaba flanqueda por la Torre del Vinagre, posiblemente destruida en 1647.

  En el lugar que actualmente ocupa la plaza, se encontraba el punto de inicio del viaje del agua del Alto Abroñigal. La parroquia de San Pedro el Viejo, una de las más antiguas de Madrid (sus primeras referencias escritas datan del siglo XIII), fue erigida en sus inmediaciones y posteriormente trasladada a un nuevo edificio, sito en la calle del Nuncio, su actual ubicación.
Otro de los monumentos que estaban situados en la plaza era una fuente del siglo XVIII, realizada por los escultores Ludovico Turqui y Francisco del Valle, de la que sólo se conserva el grupo escultórico de Diana cazadora, que actualmente preside la Fuente de la Cruz Verde, en la plaza homónima.

  La Plaza de Puerta Cerrada es, en realidad, un ensanche viario, configurado en el siglo XIX tras el derribo de varios edificios, en el contexto de diferentes planes de actuación urbanística. Al igual que la vecina Plaza de Segovia Nueva, con la que conforma un espacio continuo, presenta un contorno irregular y desarticulado, acentuado por la confluencia de numerosas calles.
La plaza se encuentra presidida por una cruz de piedra realizada en 1738. Junto a este elemento, los rasgos urbanísticos que mejor definen al recinto son los murales pintados en las paredes de diversos edificios. Éstos fueron realizados en el último tercio del siglo XX durante el mandato del alcalde Enrique Tierno Galván, para ornamentar los lienzos de diferentes patios de luces que quedaron al descubierto, después de las demoliciones de viviendas emprendidas en el siglo XIX.

  Los edificios del contorno fueron construidos en los siglos XIX y XX, con excepción del Palacio Arzobispal, del XVIII, que, en uno de sus ángulos, da la plaza a través de la calle de San Justo.
En los números 4 y 6 de la plaza, existen diferentes lienzos de la muralla cristiana de Madrid, integrados dentro de la estructura de varios inmuebles. Se trata de uno de los vestigios más importantes de esta construcción militar, pues conserva elementos arquitectónicos como el adarve y el pretil. También hay restos de un torreón. Ni el lienzo ni la torre son visibles al público.

Justo al lado de esta plaza de Puerta Cerrada se encuentra nuestra placita del Conde de Barajas.

17 nov. 2010

EL FLAMENCO, PATRIMONIO INMATERIAL DE LA HUMANIDAD



  En esta pequeña obra, intento captar la fuerza y el sentimiento que encierra la gran manifestación artística y cultural que contienen tanto el cante como el baile flamenco. Afortunadamente ya hace tiempo que desbordaron nuestras fronteras y son reconocidos mundialmente.
Abajo dejo un par de vídeos de Carmen Amaya, diminuta figura y gigantesca bailaora, auténtica, maravillosa y por supuesto el gran maestro de la guitarra Paco de Lucia .

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La legendaria CARMEN AMAYA  (1.913 - 1.963)





El gran maestro PACO DE LUCIA (1.947 - 2.014)


FELICIDADES a todos los que somos amantes de El FLAMENCO
  Cada año, el Comité se reúne para evaluar las candidaturas y decidir acerca de las inscripciones de las prácticas y expresiones culturales del patrimonio inmaterial propuestas por los Estados partes en la Convención de 2003.

  La Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial que requiere medidas urgentes de salvaguardia,  se compone de elementos del patrimonio cultural inmaterial que las comunidades y los Estados Partes consideran que necesitan medidas de salvaguardia urgentes para asegurar su trasmisión. Las inscripciones en esta Lista contribuyen a movilizar la cooperación y la asistencia internacionales para que los actores interesados puedan tomar medidas de salvaguardia adecuadas.

  Para mantenerse en vida, el patrimonio cultural inmaterial debe ser pertinente para su comunidad, recrearse continuamente y transmitirse de una generación a la siguiente. Se corre el riesgo de que algunos elementos del patrimonio cultural inmaterial mueran o desaparezcan si no se les ayuda, pero salvaguardar no significa fijar o fosilizar este patrimonio en una forma “pura” o “primigenia”. Salvaguardar el patrimonio cultural inmaterial supone transferir conocimientos, técnicas y significados. La Convención hace hincapié en la transmisión o comunicación del patrimonio de generación en generación, no en la producción de manifestaciones concretas como danzas, canciones, instrumentos musicales o artículos de artesanía. Así pues, toda acción de salvaguardia consistirá, en gran medida, en reforzar las diversas condiciones, materiales o inmateriales, que son necesarias para la evolución e interpretación continuas del patrimonio cultural inmaterial, así como para su transmisión a las generaciones futuras.

 Las medidas de salvaguardia susceptibles de garantizar la transmisión del patrimonio cultural inmaterial de generación en generación son muy distintas de las que se requieren para proteger el patrimonio material, tanto el natural como el cultural. No obstante, sucede con frecuencia que algunos elementos del patrimonio material están asociados al patrimonio cultural inmaterial. Por eso, en la definición de patrimonio cultural inmaterial la Convención incluye los instrumentos, objetos, artefactos y espacios culturales que le son inherentes.¿Significa esto que el patrimonio inmaterial deba salvaguardarse siempre, o revitalizarse a toda costa? Como cualquier organismo vivo, el patrimonio inmaterial tiene un ciclo vital y es probable que algunos de sus elementos desaparezcan, tras haber dado a luz nuevas formas de expresión. Es posible que algunas formas del patrimonio cultural inmaterial, a pesar de su valor económico, no se consideren pertinentes o significativas para la propia comunidad. Como indica la Convención, sólo se debe salvaguardar el patrimonio cultural inmaterial que las comunidades reconozcan como propio y que les infunda un sentimiento de identidad y continuidad. Por “reconocimiento” la Convención entiende un proceso formal –o con mayor frecuencia informal– por el cual las comunidades admiten que forman parte de su patrimonio cultural determinados usos, representaciones, expresiones, conocimientos y técnicas y, eventualmente, los instrumentos, objetos, artefactos y espacios culturales que les son inherentes.

  El patrimonio cultural no sólo comprende los monumentos y las colecciones de objetos. Abarca también tradiciones o expresiones vivas heredadas de nuestros antepasados y transmitidas a nuestros descendientes, como tradiciones orales, artes del espectáculo, usos sociales, rituales, actos festivos, conocimientos y prácticas relativos a la naturaleza y el universo, o saberes y técnicas tradicionales de fabricación de objetos artesanales. Aunque esos elementos no son materiales –en el sentido de que no son tangibles– constituyen una parte muy importante de nuestro patrimonio cultural. Son el patrimonio cultural inmaterial, una forma viva del patrimonio que se recrea continuamente y evoluciona a medida que adaptamos nuestros usos y tradiciones al mundo que nos rodea. Nos infunde, con respecto a nuestras culturas, un sentimiento de identidad y pertenencia. 

  A medida que el mundo cambia, la modernización y la mecanización se incorporan a este proceso vivo y, en muchos casos, pueden incluso propiciar y fomentar la creatividad. No obstante, son los pueblos quienes siguen desempeñando un papel esencial en la creación y perpetuación del patrimonio cultural inmaterial.
 Son las comunidades quienes lo crean colectivamente, lo conservan y lo transmiten. Una comunidad puede compartir una expresión del patrimonio cultural inmaterial con otras comunidades que posean expresiones parecidas. Tanto si proceden de una aldea vecina como de una ciudad situada en las antípodas, o han sido adaptadas por pueblos que han emigrado y se han instalado en otra región, todas esas expresiones son elementos del patrimonio cultural inmaterial ya que se han transmitido de generación en generación, han evolucionado adaptándose a su entorno y contribuyen a infundir a cada comunidad un sentimiento de identidad y continuidad. Compartir un patrimonio cultural similar son sólo propicia el respeto y el entendimiento de los demás, sino que además refuerza la cohesión social. Conocer las diferentes formas del patrimonio cultural inmaterial propicia también el respeto de los demás y fomenta el diálogo intercultural.

Mas información en www.unesco.org

12 nov. 2010

LA ALBERCA, SALAMANCA I


La Alberca, Peña de Francia
Este es otro boceto que he tomado un día fantástico en una de nuestras escapadas en autocaravana  por tierras salmantinas. Abajo os dejo un vídeo que ilustra este maravilloso pueblecito. Si lo deseáis también podéis visitar mi blog de viajes donde encontraréis los relatos y fotografías de algunas de nuestras salidas a diferentes lugares de España y de Europa. elviajerosinprisa

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 Nombrar la Sierra de Francia es nombrar La Alberca y nombrar La Alberca suele provocar en el interlocutor un gesto afirmativo o una elocuente muestra de satisfacción. A poco que uno pulule por muestras y ferias de turismo, lea publicaciones del sector o, simplemente, escuche el run run popular de viajeros o amantes de las tradiciones se habrá topado con el nombre de La Alberca o con la imagen reproducida de su crucero o del perfil de sus construcciones ante la Peña de Francia.
  Sucede en esta localidad y en el resto de pueblos de la Sierra que la arquitectura civil o popular es la que, por encima incluso de la monumental o religiosa, y al contrario de otros lugares, otorga fama, da enjundia y seduce al visitante a quien suele resultar difícil substraerse de su atractivo.Bien se puede decir que La Alberca es, por tradición y por mérito, la capital de esta comarca.



Veníamos a decir que los monumentos en La Alberca no se ciñen, como en otros pueblos a dos o tres edificios a reseñar: iglesia, palacio, convento. No.
  Aquí se puede afirmar que todo vecino es propietario de una pequeña o gran obra de arte, pues todas las casas que configuran el casco urbano tienen mérito para pasar por tal, y mérito sumaron para ser, su conjunto, el primer pueblo de España declarado Monumento Histórico Artístico; ya en 1940.
  Sin duda la capacidad de los albercanos para impedir que la historia y el tiempo consumieran, menguaran o modificaran inconvenientemente el aspecto tradicional de su pueblo, es la que ha acumulado razones para la alta consideración que en el ámbito rural tiene La Alberca.Su origen hay que situarlo en el remoto ámbito del siglo XII, época de batallas, reconquistas y repoblaciones, aunque las pinturas prehistóricas en el cercano Valle de Las Batuecas, la presencia de un ara romana en la iglesia parroquial e incluso el origen etimológico del nombre (del árabe Al-Bereka: estanque) hacen especular con mucho más pretérita génesis.No obstante el aspecto actual es en gran medida proveniente del siglo XVIII, época en la que, debido a periodos de prosperidad u otras causas, buena parte del casco urbano se reconstruye. Así lo atestiguan las fechas de los dinteles de las entradas que fueron grabadas junto al nombre de los propietarios y de alegorías de carácter religioso. Esto sucede en calles como la del Tablado, que desde la parte norte del municipio se interna en busca de la plaza principal. Por ella, paseando por el relieve enrollado de su suelo, pueden observarse innumerables muestras de la tradicional casa albercana. Esta consta generalmente de una planta baja hecha de mampostería de granito, a veces con un porticado de columnas o pilares de madera o piedra (uno de los mejores ejemplos es el de la Casa Ducal de la Plaza). Los pisos suelen tener balcones corridos de madera o hierro con guardamalletas troqueladas sobre una larga viga de madera de castaño sujetada por las mencionadas columnas. Las fachadas de estos pisos son en la mayoría de los casos de barro cocido -pocas veces de adobe o de la ladrillo- y encalado que se sustenta por medio de un complejo entramado de vigas de madera que tan curioso aspecto dan a estas construcciones. Las fachadas orientadas al hostigo se cubren de tablones de madera imbricados para protegerlas de la humedad. Al igual que el conjunto urbano, la iglesia parroquial de La Asunción data del siglo XVIII y es preferentemente neoclásica



Todas estas bellezas fueron visitadas, elogiadas y divulgadas a lo largo de los años, por hombres notables como Don Miguel de Unamuno, hispanistas como Maurice Legendre o Jacques Chevalier, directores de cine como Luis Buñuel o pintores como Joaquín Sorolla o Ismael Blat y con toda la humildad y salvando las distancias también por mi en este momento.
Mas información en www.i-bejar.com

22 oct. 2010

GANTE, Flandes, Belgica I


Hemos estado en Bélgica hace unos cuantos años, en un viaje  programado por agencia. Siempre que hemos viajado por ese medio nos ha quedado la sensación de quien ve pasar las cosas ante sus ojos como un niño que pega la nariz a un escaparate y no puede saborear el pastel que hay detrás del cristal. 
Gante concretamente nos pareció majestuoso, especial, precioso, para ser contemplado, caminado rincón  a rincón, para ser paseado tranquilamente por las márgenes del río, a lo largo de la fila de casas con sus fachadas coronadas con frontales escalonados. Así que podemos decir que hemos estado, pero nos ha quedado bien patente que a Gante hay que volver y volveremos, a nuestro aire, a nuestro paso. A Gante y  a otras muchas ciudades que hemos visto deprisa y corriendo detrás de un guia.
Afortunadamente ahora viajamos de otro modo bien distinto, en autocaravana,  que nos permite detenernos o caminar a nuestro aire y a mi personalmente tomar los apuntes que me apetece.
Si os apetece, podéis visitar mi blog de viaje elviajerosinprisa donde encontraréis los relatos y fotografías de los sitios que visitamos tanto en España como por Europa.

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GANTE, Flandes , Belgica I
Gante (en neerlandés, Gent; en francés, Gand) es la capital de Flandes Oriental, Bélgica.
Esta región estuvo habitada en tiempos de los celtas. Etimológicamente, el nombre Gante viene de la palabra celta 'ganda', que hace referencia a la convergencia, por ejemplo, de los dos ríos entre los que esta ciudad se encuentra. Está situada en la confluencia del río Lys (Leie en flamenco) con el Escalda.
En el siglo XIV fue, después de París, la ciudad medieval más grande de Europa al norte de los Alpes. En la historia era una ciudad de rebelión contra los impuestos altos y batallas por los derechos civiles. Actualmente es la ciudad flamenca con mayor número de edificios históricos, una intensa vida cultural y una situación privilegiada, entre Brujas y Bruselas y a media hora de ambas en tren. A 1 de enero de 2007, Gante contaba con 235.143 habitantes. La superficie total es de 157,69 km², con una densidad de población de 1.421,65 habitantes por km². Es el cuarto municipio belga en cuanto al número de habitantes.
El municipio de Gante abarca los pueblos de Afsnee, Desteldonk, Drongen, Gentbrugge, Ledeberg, Mariakerke, Mendonk, Oostakker, Sint-Amandsberg, Sint-Denijs-Westrem, Sint-Kruis-Winkel, Wondelgem y Zwijnaarde. El idioma oficial en Gante es el neerlandés. Pero la cultura políglota de sus habitantes ofrece la posibilidad de hablar en francés, inglés y alemán.
Gante ofrece, aparte de su interés arquitectónico, museos, muchas tiendas, restaurantes y una vida nocturna emocionante con numerosos conciertos. Cualquier noche es buena para disfrutar de un concierto de jazz gratuito en algunos de los numerosos bares que existen en la ciudad.
La ciudad puede ser descubierta en barco (a través de los canales), en bici o bien a pie ya que sus no muy extensas dimensiones lo hacen posible de forma agradable.
Es una ciudad muy importante en el sentido económico porque por el canal de Gante a Terneuzen los barcos pueden llegar desde el mar hasta el puerto. Es ciudad universitaria -cerca de 45.000 estudiantes- y centro turístico e industrial de Flandes Oriental. Anualmente se celebran en la segunda quincena de julio, durante 10 días, las Fiestas de Gante. Consideradas las mayores celebraciones callejeras de Europa

La ciudad fue residencia de los Condes de Flandes, por lo que Carlos V emperador (Carlos I de España) nació en ella. Hoy día no queda rastro del castillo donde el emperador vio la luz, pero sí del Gravensteen o Castillo de los Condes, construido en el S. XII y reconstruido a finales del XIX y principios del XX. Se trata de una impresionante fortaleza en pleno centro de la ciudad, rodeada por un foso. A lo largo de la historia fue residencia de los Condes de Flandes, Casa de la Moneda, prisión e incluso fábrica de algodón. Desde lo alto de sus torres se divisa una gran vista panorámica de la ciudad.

8 oct. 2010

¡¡QUE TRISTE!!

Danza Contemporánea
¡¡QUE TRISTE!! ¿Seguiremos dejando que se marche toda la gente valiosa de nuestro pais?

Artículo de JULIO BRAVO | MADRID diario ABC

Nacho Duato dejará de ser director de la Compañía Nacional de Danza el próximo 31 de julio, fecha en que concluye su contrato. El coreógrafo valenciano explicó esta mañana a sus bailarines su intención de no aceptar la prórroga de un año que le había ofrecido el Ministerio de Cultura.

Duato, sin embargo, no ha comunicado su decisión de manera oficial al INAEM, cuyo director general, Félix Palomero, conoció la noticia a través de la gerente de la Compañía, Carmen Boffarull, que le comentó, según fuentes del INAEM, las palabras de Duato.
Ayer, Palomero se reunió con los bailarines de la Compañía Nacional de Danza, a quienes relató el proceso de relevo que tiene previsto el Ministerio de Cultura en el conjunto, que se inscribe dentro del proyecto general de futuro y cambio de estatutos de las unidades de producción del Inaem.
La Compañía Nacional de Danza viaja mañana a Estados Unidos, donde estará de gira hasta el 15 de mayo. Volverá el conjunto después a la Zarzuela para celebrar los veinte años de Duato al frente de la CND y el coreógrafo valenciano cerrará esta etapa en el Bolshoi de Moscú.

En Cultura no hay reacción al no existir comunicación oficial de esta decisión, que obliga a replantear los plazos del relevo de Duato. No parece probable que se acelere el proceso, que implica, como ya avanzó ABC, una nueva orientación en el repertorio de la compañía, y sí podría abrirse un período de provisionalidad hasta que se tome una decisión firme sobre el futuro del conjunto.
En cuanto a Duato, los rumores que hace unos meses le situaban en Valencia se han diluido en los últimos tiempos, y todo parece indicar que de momento seguirá como coreógrafo invitado en distintas compañías.



27 sept. 2010

TANGO III


TANGO BOCETO: A Veronique Guide y Julio Luque, por inspirarme, por los momentos que me han regalado, por su amistad.



Aquí en este vídeo podemos ver a nuestros profesores  de Tango, Julio Luque y Veronique Guide en plena acción..... ¡Recomendado!

UN POCO DE HISTORIA (3)
Años diez, veinte y treinta

Poco antes de que comenzara la Primera Guerra Mundial en 1914 el Emperador de Alemania, Guillermo II prohibió que los oficiales prusianos bailaran el tango si vestían uniforme. El órgano oficial del Vaticano, L'Osservatore Romano, apoyó abiertamente la decisión en los siguientes términos:
El Kaiser ha hecho lo que ha podido para impedir que los gentilhombres se identifiquen con la baja sensualidad de los negros y de los mestizos (...) ¡Y algunos van por ahí diciendo que el tango es como cualquier otro baile cuando no se lo baila licenciosamente! La danza tango es, cuanto menos, una de aquellas de las cuales no se puede de ninguna manera conservar ni siquiera con alguna probabilidad la decencia. Porque, si en todos los otros bailes está en peligro próximo la moral de los bailarines, en el tango la decencia se encuentra en pleno naufragio, y por este motivo el emperador Guillermo lo ha prohibido a los oficiales cuando estos vistan uniforme.
Los más antiguos compositores e intérpretes de tango que se conocen aparecieron en las dos primeras décadas del siglo XX. En el Museo de la Partitura Histórica (de Rosario, provincia de Santa Fe) se encuentra el primer tango registrado como tal, La canguela, de 1889. El primer tango con autor conocido es El entrerriano, de Rosendo Mendizábal, publicado en 1898. Por ejemplo, los argentinos Ángel Villoldo, Roberto Firpo, Juan de Dios Filiberto y el uruguayo Francisco Canaro fueron famosos y populares autores e intérpretes de tango.
En aquellos años, en los que los hijos de familias ricas llevan a Parísel tango que habían aprendido en su frecuentación de los lupanares, comienza una nueva era para el género, con el aporte de músicos mejor preparados y la incorporación de letras evocativas del paisaje del suburbio, de la infancia y de amores contrariados.
La canción de tango comenzó a interpretarse desde 1850, pero no era tal porque el estilo vocal estaba ligado a la habanera y tangos españoles, sin una personalidad tanguera definida. Los cantantes de entonces no eran profesionales ni tampoco se conocía la voz del tango. El tango se cantaba como tango milongueado y los versos eran picarescos, lo que escandalizaba a la alta sociedad porteña. Los cantantes de que se habían destacado en la primera década de 1900 fueron Alfredo Gobbi, Lola Membrives, Linda Thelma y Ángel Villoldo, entre otros. Los primeros éxitos de aquel tango fueron Hotel Victoria, El porteñito y el gran suceso La morocha de 1908. En Buenos Aires había gran cantidad de cantores que interpretaban estilos nacionales, zambas y chacareras.
Carlos Gardel, quien se inició como payador alrededor de 1910, es el más recordado cantante de tango de los años veinte y treinta. Muchos de los temas que interpretaba los compuso él mismo y encargó sus letras a su inseparable compañero, el poeta Alfredo Le Pera. Gardel, que comenzó su carrera en comités políticos de los suburbios fabriles de Buenos Aires, cantó en París y en Nueva York, filmó varias películas en EE. UU. Se convirtió en un mito para los rioplatenses cuando murió en un accidente de aviación en Medellín (Colombia). Algunos de los tangos famosos de esta primera época son La cumparsita, El choclo, Caminito, El día que me quieras, Por una cabeza, etc.

Edad de Oro
El bandoneonista Aníbal PichucoTroilo (1914-1975).

Músicos como Juan Carlos Cobián, Pascual Contursi, Juan D´Arienzo, Julio De Caro, Osvaldo Fresedo, cantantes como Sofía Bozán, Ignacio Corsini, Agustín Magaldi, Rosa Quiroga, integraron lo que se conoció como la «nueva guardia» del tango en aquella época. Entre ellos, muchos fueron los descendientes de inmigrantes italianos, como Osvaldo Pugliese (apodado «el Santo del Tango»).
La del cuarenta fue una década dorada para el género, que se interpretaba ya en locales nocturnos de lujo, cuyos ambientes alimentaron a su vez a los letristas, que en sus versos contraponían el lujurioso cabaret y los desbordes de la vida nocturna a la infancia en el arrabal, paisaje éste que adquirió entonces ribetes míticos de paraíso perdido.
Grandes orquestas, como las de Juan D’Arienzo, Carlos Di Sarli, Osvaldo Pugliese, Aníbal Troilo(1914-1975), Horacio Salgán(1916-), Ángel d' Agostino o Miguel Caló actuaban a la vez en los cabarés del centro y en salones barriales, y, con ellos, creció enormemente la industria discográfica en la Argentina. Letristas de gran vuelo —Enrique Cadícamo, Cátulo Castillo, Enrique Santos Discépolo, Homero Manzi— dieron al tango composiciones inolvidables, signadas por la amarga crítica de costumbres (Discépolo), el matiz elegíaco y las metáforas inspiradas en grandes poetas (Manzi, Castillo), la recurrente pintura de ambientes sofisticados con resonancias del poeta modernista Rubén Darío(Cadícamo). Otros notables cantantes de la época fueron el Polaco Goyeneche, Edmundo Rivero, Ángel Vargas, Francisco Fiorentino, Héctor Mauré y Alberto Podestá. Por su parte, Homero Expósito y José María Contursi también escribieron las letras de algunos tangos.

Años sesenta y setenta
El dúo Astor Piazzolla-Horacio Ferrer, decisivos en la renovación del tango en los años sesenta.

Desde fines de los años cincuenta comenzarían a surgir corrientes tangueras renovadoras. Los primeros fueron músicos como Mariano Mores y Aníbal Troilo que empezaron a experimentar con nuevas sonoridades y temáticas. Pero el renovador indiscutido fue el marplatense Astor Piazzolla.
Astor Piazzolla alternaba entre las tardes de música clásica en el Teatro Colón y su pasión por Ígor Stravinski y Bela Bártok, con las noches de tango, y su desempeño como bandoneonista y arreglador musical de la orquesta de Aníbal Troilo (1914-1975). Fusionando creativamente las influencias más diversas, Piazzolla introdujo en el tango armonías disonantes y bases rítmicas intensas y nerviosas que produjeron una transformación radical del género.
La música de Piazzolla produjo una apasionada controversia entre tradicionalistas y renovadores, sobre si «eso» era o no tango. El punto culminante de esa controversia fue el Festival de la Canción de Buenos Aires realizada en el Luna Park en 1969, en el que Astor Piazzolla y el uruguayo Horacio Ferrer presentaron un valsecito tanguero, Balada para un loco, interpretado por Amelita Baltar en la sección correspondiente al tango. La canción produjo un escándalo descomunal que llevó a los organizadores a cambiar las reglas para evitar que Balada para un loco ganara el festival. Pese a ello, el nuevo tango-canción, ganó la adhesión popular, especialmente entre los jóvenes y se volvió un éxito de ventas como hacía años que el tango no tenía.
El dúo Piazzola y Ferrer realizaron otras obras de amplia difusión popular como el tango Chiquilín de Bachín (1968) o la «ópera-tango» María de Buenos Aires (1967), que incluye la bella Fuga y misterio. Piazzolla aportaría composiciones fundamentales como sus Cuatro estaciones porteñas (Verano porteño, Otoño porteño, Invierno porteño y Primavera porteña), la serie del ángel (entre ellas Milonga del ángel y La Muerte del ángel), Libertango, Decarísimoy por sobre todas Adiós Nonino, a la muerte de su padre.
Piazzolla también aportó decisivamente a la renovación instrumental del tango con su octeto, que incluía instrumentos hasta entonces absolutamente ajenos al tango, como los eléctricos (guitarra, bajo, teclados, sintetizador), la batería y el saxo. También con él ingresaron al tango instrumentistas de excepción como el violinista Antonio Agri y el guitarrista Cacho Tirao, y un cantante como José Ángel Trelles quienes sumarían sus talentos a experimentados del género como Enrique Kicho Díaz, Osvaldo Manzi o Jaime Gosis entre otros. Piazzolla también realizó una audaz fusión tango-jazz con el saxofonista estadounidense Gerry Mulligan en 1974 (registrado en el álbum Reunión cumbre) e influyó considerablemente en el subgénero conocido como rock nacional argentino, desarrollado a partir de la segunda mitad de los años sesenta.
En esas dos décadas de renovación surgieron también otros autores e intérpretes de gran importancia como Eladia Blázquez (Con el corazón al sur, Si Buenos Aires no fuera así, Sueño de barrilete, etc.), Chico Novarro (Cordón, El balance, Cantata a Buenos Aires), Cacho Castaña (Café La Humedad), el Sexteto Tango, el octeto coral Buenos Aires 8, con un álbum excepcional en 1970, Buenos Aires Hora 0, las nuevas sonoridades introducidas por Osvaldo Berlingieri (1928) desde el piano y su asociación con Ernesto Baffa (Baffa-Berlingeri), la voz juvenil y romántica de Susana Rinaldi, la madurez compositiva de Leopoldo Federico (El último café, Qué falta que me hacés), el revolucionario álbum Concepto (1972) de Atilio Stampone, Rodolfo Mederos—a quien se consideraba como «la cabeza visible de una nueva música porteña en los años setenta», etc. También debe mencionarse aquí al último Goyeneche de la «garganta de arena» —según el cantautor Cacho Castaña— que desarrolló el arte de «decir» el tango, cuando paradójicamente alcanzó el pico más alto de la devoción popular.
En estas dos décadas el tango sufrió también la confrontación generacional y contracultural que llevaron adelante los movimientos juveniles en todo el mundo, con expresiones como el Verano del amorde 1967y el movimiento hippie en EE. UU., el Mayo francés de 1968, que tuvieron en la música rocky en la revolución sexual, dos de sus códigos de referencia común. En la Argentina, esto se manifestó como una confrontación de contenido generacional entre tango y rock: el tango era la música de «los viejos»; el rock era la música de los jóvenes.